Люди

Биография

Родился 1 августа 1948 года в городе Ленинграде.

В конце 1960-х годов начал профессионально заниматься живописью и литературой. В 1969 году начинает развивать направление Метаэлементализм © в визуальном искусстве как трансформацию звука в цвет в технологии контрколлажа. С 1978 года публиковал свои стихи в самиздатовских журналах. С 1981 года соорганизатор Товарищества Экспериментального Изобразительного Искусства (ТЭИИ). Тогда же начинает развивать второе направление в своем искусстве: социальный фолк-арт ©.  Автор концепции «ПАРАЛЛЕЛОШАР» ©, как виртуального, художественного символа ХХI века, реализованного в общественной и культурной жизни Санкт-Петербурга как самовоспроизводящийся и саморазвивающийся кинетический объект современной культуры – Арт-Центр «Пушкинская-10». Один из основателей этого арт-центра и Товарищества «Свободная Культура»  в 1991 году; Музея нонконформистского искусства (МНИ) в 1998 году. Президент Товарищества «Свободная Культура» в 1994 — 2009 годах. Автор хроники, статей и книг по истории «нонконформистского» искусства. Главный консультант Музея нонконформистского искусства. Член Международной Ассоциации искусствоведов. С 2009 года вице-президент Товарищества «Свободная культура», главный эксперт Музея нонконформистского искусства, куратор художественных проектов. Действительный член Академии Зауми. Лауреат «Царскосельской премии» 2005 года, Международного фестиваля искусств «Мастер класс 2005  года, премии «Петраэдр» 2012 года. Награждён орденом «Заслуги для культуры польской» Польской республики в 2003 году и орденом «Золотой командорский крест победы Авангарда» в 2011 году.

Участник более 150 выставок в России, Европе и Америке.

Работы находятся в коллекциях Музея нонконформисткого искусства, Санкт-Петербург; Государственного Русского музея, Санкт-Петербург; Музея истории Санкт-Петербурга; TheNorton and Nancy Dodge Collection; The Jane Voorhees Zimmerli Art MuseumRutgers, The StateUniversity of New Jersey, USA; и частных собраниях.

Автобиография

Мой дед Розалиев Анатолий Георгиевич ещё до революции 1917 года окончил с золотой медалью петербургское военное топографическое училище. Служил в царской армии. Затем работал в проектных институтах, был известным в стране специалистом в области геодезии. Его жена, моя бабушка, была дочерью Михаила Попова потомственного почётного гражданина города Киева. До той самой революции училась в императорском институте благородных девиц в Киеве. Так что затем жить ей с моим дедушкой  приходилось параллельно советскому обществу.

Мои родители: Ковальский Виктор Александрович и Розалиева Татьяна Анатольевна тоже были людьми «параллельными». Жили параллельно друг другу. Вместе недолго. Жили в советском обществе как все, но параллельно ему. Отец работал начальником топографической экспедиции и постоянно передвигался по всему СССР. В одной из поездок познакомился с моей матерью, которая работала в экспедиции под началом своего отца, моего основного дедушки. Затем была домохозяйкой, выращивая меня. Изучила английский язык и подрабатывала машинисткой и переводчицей.

Но я родился абсолютно «перпендикулярным» мальчиком. В самом юном моём возрасте мама пыталась отучить меня спать со сложенными в фиги пальцами, которые я показывал объявившемуся Миру. Примерно лет в пять отец поставил меня на лыжи и показал, что надо ехать по лыжне. Идти по чужим следам было для меня неприемлемо и я, развернувшись на девяносто градусов, стал прокладывать свой путь по свежему, нетронутому снегу.

Свои первые рисунки, сохранённые мамой, я сделал в возрасте четырёх лет. Первое стихотворение я написал в шесть лет. Оно было посвящено удивительному перемещению Луны вослед за мной, во время моей поездки с Фонтанки на Петроградскую сторону, в гости к бабушке с дедушкой. Второй раз восторженные слова, которые выстроились в стихотворные строки пришли ко мне из космоса и были посвящены полету третьего искусственного космического спутника вокруг Земли. Помню, как я бежал по ступеням школьной лестницы и выкрикивал их в воздух. Почему именно третий спутник так потряс меня, до сих пор не знаю.

Мой дедушка ушёл из нашей жизни, когда мне было семь с половиной лет. Но уже к этому юному возрасту, он успел привить мне понимание Мира или может быть ощущение его на тот момент как пространства намного более обширного и многообразного, чем государство и город  в которых я родился и крохотная комната в коммунальной квартире, где долго жил со своими родителями. Мы часто путешествовали с дедом по географическим и астрономическим картам в параллельные, как мне уже тогда казалось, миры. Летние путешествия с родителями за пределы города в дачную местность и на черноморское побережье научили меня простейшему, физическому способу передвижения в эти, тоже параллельные, пространства.

В своём стремлении постичь как можно больше иных пространств я, к двенадцати годам,  прочёл всю русскую классическую литературу, некоторых французских, английских и американских авторов. Любимыми были Лев Толстой, Лермонтов, Диккенс, Стендаль, Жюль Верн, Эдгар По. Меня захватила классическая музыка, особенно произведения Рахманинова, Листа и Бетховена. В многочисленных школах, которые приходилось посещать, прилежанием не отличался. Начиная с восьмого класса, меня пытались выгонять из рядов учащихся каждые полгода, чтобы не портил статистику. Всё своё время я посвящал сочинению стихов. Так я учился жить параллельно быту. В последних классах я познакомился с молодым поэтом Алексеем Шельвахом и таким же искателем приключений на то время, как и я, Борисом Митавским.

В то время мы увлекались авторскими песнями Высоцкого,  Окуджавы, Клячкина, Кукина. Это настолько было другое,  нежели то, что мы слышали с официальной эстрады по радио и ТВ, и так будоражило мысли и чувства, что заставляло критически всматриваться в окружающую нас  жизнь. Помню, Боря Митавский принес магнитофонные пленки с 24 часами записей песен, неизвестного нам дотоле, Александра Галича. Моя магнитофонная приставка «Нота» и Борин магнитофон «Юпитер» были состыкованы, и, переписывая пленку, я погрузился в тексты, смысл которых, не всегда понятный, поразил  меня как откровение свыше. Эмоционально же я был так подавлен, что после окончания переписи несколько месяцев не прикасался к пленкам, осмысливая услышанное. Было совершенно очевидно, что параллельно нашему юношескому миру существовал иной мир – жестокий и отвратительный. И я, воспитанный на литературной романтике, где честь и отвага были превыше всего, чувствовал, что место мое там, где надо отстаивать справедливость. Сейчас читаешь эти  строки, и наивно это кажется и хорошо. И я  думаю, что именно тогда совесть моя была разбужена, и почитаю Александра Галича как одного из первых своей учителей с  большой буквы.

Тем не менее, я закончил одиннадцатилетнюю школу. Написал на государственном экзамене лучшее сочинение среди выпускников. Получил свою первую специальность токаря второго разряда, но проработал токарем лишь три недели. Путешествие было не в интересующую меня сторону. Два раза я пытался поступить в Литературный институт им. М. Горького, но каждый раз получал отказы. Я ещё был «перпендикулярен» и отправился в Москву выяснить их причину. В приватной беседе, с одной из около литературных дам, для меня открылись сразу четыре: 1. Я был русским, а предпочтение при приёме в институт  отдавалось малым национальностям. 2. Я не состоял ни в каких литературных объединениях и соответственно не имел рекомендации. 3. Я был из Ленинграда, а поэтому негласное, московское правило отсылало меня учиться в Ленинградский государственный университет на филологический факультет. 4. Я не имел блата. Моё творчество интересовало в последнюю очередь. В конце концов, писать можно научить любого – цинично заключила дама. Мне оставалось выстраивать свой параллельный Мир.

Душу бередила музыка и  атмосфера свободы на рок-фестивале «Вудсток», прошедшего в 1969  году в США. Это трудно было представить себе по радиопередачам «Голоса Америки» и «ВВС». Горящая гитара Джимми Хендрикса, безумный вокал Джанис  Джоплин, хиппи, дети цветов… Я чувствовал свою причастность ко всему, что происходило «ТАМ» — далеко!! Чуть позже я был ошеломлен тем, что и у нас существуют подпольные рок-группы «Лесные братья», «Аргонавты», «Санкт-Петербург», «Машина времени». Помню, как   лез по водосточной трубе на второй этаж какого-то ДК в городе Пушкине, чтобы попасть на концерт последней. Когда долез, выяснилось, что концерт запретили уже на втором куплете первой песни программы.

Окончательно меня «добила» песня, звучавшая как реквием по свободе по всем радиостанциям мира (кроме советских), которую пела изгнанная из своей страны чешская певица Марта Кубишева.  Эмоции, переданные через эфир, были настолько сильными и искренними, что заставили меня поверить «в несправедливость добра» (как пел много позже Ю.Шевчук, группа «ДДТ»), которое несут советские солдаты.

Припав ухом к динамику своего приемника ВЭФ-206, сквозь треск «глушилок» я слушал удивительные истории о людях, пересекавших  разными способами Берлинскую стену. Например, человека проносили как бы в двух небольших чемоданах, стоящих вплотную один за  другим. А на самом деле это был  один   длинный чемодан. Или кто-то бесшумно перелетал стену ночью на изобретенном им  самим портативном планере. Люди жаждали Свободы и получали ее или умирали по дороге к  ней. Это заставляло задумываться. Я и не предполагал,  сколько невидимых стен нам всем еще придется преодолевать.

Ещё в конце 1960-х годов я начал профессионально заниматься живописью и литературой. Опубликовал несколько стихотворений в газетах: «Вперед» г. Пушкин, «Технолог» (Технологического института).

Шестнадцать лет, с 1961 по 1977 годы, я жил в комнатке два на два метра, без окна в квартире 27 дома 41, на Басковом переулке в городе Санкт-Петербурге, несмотря на то, что он ещё назывался тогда Ленинград. Мы собирались там с моими друзьями по вечерам, читали друг другу стихи, слушали музыку, трепались обо всем на свете и курили, курили, курили, опустошая несчетное количество бутылок. Чаще других бывали поэт Михаил Генделев и художники Виктор Богорад и Борис Митавский.

Часто я просыпался с больной головой и обнаруживал вокруг незнакомые мне картоны, измазанные разноцветной краской. «Кто бы это мог сделать?» – думалось мне. И никак не вспоминалось. Так было несколько раз, пока, наконец, память моя не зацепила момент, когда никто иной, как я сам, своими собственными руками, пьяный в драбодан, живописал! Как оказалось потом, я создавал ассоциативные абстрактные композиции, которые отражали мои бредовые, чувственные миражи на вполне конкретные музыкальные темы. Под воздействием огромных алкогольных доз мое подсознание выдавало их с постоянством достойным продолжения. И я продолжил. Мои друзья Виктор Богорад и Борис Митавский делали то же самое. В 1969 году я начал развивать направление «Метаэлементализм» © в изобразительном искусстве, как трансформацию звука в цвет в технологии контрколлажа.

В конце концов, мы настолько сплотились вместе, что нам ничего не оставалось, как провозгласить себя творческой группой «ИНАКИ». Мы чувствовали, что  плоды нашего творчества: картины, графика и стихи, не похожи не только на советский социалистический реализм, но и на все мировое искусство. Мы инакочувствовали, инакомыслили, инакоделали. Или нам хотелось представлять это таковым.

Мы написали «Манифест» нашей группы, который был представлен зрителям на первой квартирной выставке в марте-апреле 1974 года. Эпиграфом послужили слова Анатоля Франса: «Дурак – всякий инакомыслящий». Мы не подозревали, что в это время в разных местах Ленинграда такие же, как мы «неофициальные» художники проводили свои квартирные выставки. Но мы обнаружили квартирную выставку в Купчино, где выставляли свои работы Владимир Овчинников, Анатолий Путилин, Игорь Росс. Оказались на квартирной выставке Виталия Кубасова. Все выше упомянутые стали  участниками «Газаневщины». В комнате коммунальной квартиры на ул. Мытнинской у Боба Кошелохова мы познакомились с Тимуром Новиковым, Еленой Фигуриной, а через них с Сергеем Сергеевым, Виком, Алёной, Сергеем Добротворским и другими неофициальными художниками и поэтами. Вскоре мы уже обменивались с ними визитами. Михаил Генделев познакомил нас с поэтом Константином Кузминским на его квартирной выставке «Под парашютом». Творчество нашей группы стало частью нонконформистского искусства Ленинграда. В 1977 году я открыл у себя в новой квартире «На Пискарёвке» постоянную выставку работ группы «Инаки» плюс работы Александра Лоцмана и Натальи Балашовой. Экспозиция существовала до 1981 года. Параллельно с нашей выставкой, существовали и другие. Например, зрители курсировали от выставки на квартире Георгия Михайлова к нам, а от нас в Музей современного искусства на квартиру Вадима Нечаева. Я читал свои стихи у себя и на разных квартирах. В 1978 году опубликовал некоторые в самиздатовском альманахе «Голос», который издавали Жора Светозаров и Слава Белков.

Музыка нового времени просачивалась через кордоны  к нам в Совок. Новые альбомы, которые мне удавалось слышать отрывками по заграничному радио,  звучали в моей квартире круглые  сутки! Кинг Кримсон (King Crimson), Генезис (Genesis), Джетро Талл (Jetro Tull), Ван дер Грааф (Van der Graaf), Музыка альбома «Стена» (The Wall) — Пинк Флойд (Pink Floyd). особенно задевала меня тогда  как человека, не желавшего бежать из своей страны, так же как и  продолжать жить в ней с ощущением связанных рук. Мы — «Инаки», говаривали между собой, что может быть и придется эмигрировать, но   лишь в том случае, если перед нами поставят  выбор: на «Запад» или на «Север» (к счастью, этого не случилось).

Надо заметить, что всё это происходило зимой. Волей случая в 1966 году, после того как поработал токарем, я отправился в топографическую экспедицию. Но все знают, а я верю, что случайностей не бывает. Это оказался мой первый осознанный шаг в иное, параллельное пространство Свободы. Ритм жизни наладился: зимой я учился в топографическом техникуме, после его окончания работал камерально, но основное время посвящал практическому самообразованию в области литературы, живописи и прочих искусствах создания хранилищ космической энергии. С весны по осень, на семь месяцев, я уходил в экспедиции и находился в иных, параллельных пространствах. Обошёл северную и центральную Россию, Эстонию  и Латвию, где в экспедициях составлял карты земной поверхности и сопредельных пространств. Я выстраивал свой Параллелошар, параллельный Ноосфере Земли. В экспедициях я проработал до 1977 года. Потом передо мной возникла дилемма: продолжать заниматься искусством урывками или отдать ему всё своё время. Я выбрал последнее. В последующие годы мне приходилось служить художником-оформителем, сторожем, электромехаником, оператором ЭВМ, кочегаром газовой котельной. В основном сутки через трое суток. Свободное от службы время ценилось дорого.

В 1981 году, мы: Кирилл Миллер, Владислав Афоничев, Борис Митавский, Александр Лоцман, Гарри Юхвец и Сергей Григорьев, организовали крупнейшую в истории Ленинграда квартирную выставку «На Бронницкой». Затем я стал соорганизатором объединения неофициальных художников – Товарищества экспериментального изобразительного искусства (ТЭИИ) и большого количества выставок «неофициальных» художников СССР под эгидой ТЭИИ (1982 -1991 годы). Благодаря параллельному сосуществованию ТЭИИ и «Клуба-81», объединявшего «неофициальных» литераторов, я познакомился с писателями Борисом Ивановым, Игорем Адамацким, Борисом Останиным, Налем Подольским, Юрием Новиковым —  издателями самиздатовского журнала «Часы». Начал публиковать свои статьи сначала в журнале «Часы», потом в журналах «Обводный канал» Кирилла Бутырина и «Митин журнал» Дмитрия Волчека. Бывал у поэта Виктора Кривулина, который положительно отнёсся к моим стихам. (Несколько позже они все помогали нам отстаивать право па существование арт-центра «Пушкинская-10»).

Ещё в «докомпьюторную эпоху» мне удалось переиздать сборник статей и документов по истории неофициального искусства Ленинграда 1970 годов «Галерею I» (по материалам журнала «Часы»), изданную ранее Борисом Ивановым. Потом я самостоятельно  составил и издал «самиздатовским»  способом с фотографиями «Галерею II» (сборник статей по неофициальному изобразительному искусству 1980 годов, ряд из них ранее были опубликованы в журнале «Часы») и «Документ» (сборник документов отражающих борьбу и существование неофициального искусства в Ленинграде 1970-80 годов). Этот труд занял у меня несколько лет. Но, благодаря нему, вся документация о «неофициальном» искусстве Ленинграда была сохранена и систематизирована, что пригодилось в нашей дальнейшей работе.

В 1989 году совместно с американским художником и общественным деятелем Барбарой Хазард я представлял выставку неофициальных художников ТЭИИ из Ленинграда в Калифорнии, США. Прочёл несколько лекций о ленинградском андеграунде в университетах Беркли и Олимпии, читал свои стихи в русском доме Колумбийского университета.

Иногда мои занятия литературой прерывались на несколько лет. Изобразительное вытесняло вербальное. Но слова материализовывались на холстах. В середине 1980-х определилось второе моё направление работы в изобразительном искусстве: социальный фолк-арт ©. Потом вербальное теснило изобразительное и слова складывались в рисунки. Так я стал заниматься визуальной поэзией.

Весной 1989 года после поездки в Америку я занял под мастерскую пустующую квартиру в доме 10 по Пушкинской улице. Нам, деятелям «неофициальной» культуры, предстояло создать в этом доме художественное пространство свободы, параллельное иным. Легенда гласит:

Однажды три художника, а были это Сергей Ковальский, Юлий Рыбаков и Евгений Орлов, возвращались с какого-то вернисажа. Забрели на Пушкинскую улицу и решили отдохнуть на скамеечке в садике около памятника Александру Сергеевичу Пушкину. Разговаривали о судьбе русского искусства, о ТЭИИ, о том, что по-прежнему нет мастерских у большинства «неофициальных» художников. Попивали портвейн.

Уже стемнело, когда неожиданно над нашими головами раздался голос: «Господа художники, хватит жаловаться, смотрите — вот то место, где вам жить и работать…»

Подняв головы, мы увидели, как Александр Сергеевич указывает на дом, который выдавался из общего строя домов, как корабль, готовый к плаванью. Мы встали и вошли в темный двор этого огромного здания, как во чрево Ковчега. Поскрипывали снасти, горели редкие огни в окнах. Нас покачивало и над нашими головами проплывали звезды. И мы поняли, что путешествие в XXI век уже началось, с легкой руки Пушкина.

Да, на излёте ХХ века, мы назвали наше прибежище: «Ковчег ХХI век». Мы собрались в нём, чтобы утвердить своё право свободно жить и работать на Родине. Здесь нет нужды рассказывать дальнейшую историю арт-центра. Она описана подробно в книге «Арт-центр «Пушкинская-10» — Параллелошар. 1989-2009 гг.». Но хочется отметить один момент: в марте 1994 года, в радиопередаче «Севооборот», где мы выступали вместе с Сергеем Курёхиным на радиостанции ВВС, я провозгласил суверенитет республики «Пушкинская-10»! Вероятно, с этого момента я окончательно перестал быть «перпендикулярен». Пора было возвращаться к родовым корням. Мною было сформировано понятие параллелошара. Сначала, как виртуальное художественное пространство параллельное иным. Затем, как новый художественный символ ХХI века, продолжающий по диагонали цепь художественных символов ХХ века. Понятие «Параллелошар» было материализовано в арт-центре «Пушкинская-10» (так «Ковчег ХХI века» стал называться в третьем тысячелетии).

Вероятно это самая большая моя творческая удача: создание концепции самовоспроизводящегося и саморазвивающегося кинетического объекта современной культуры – «Параллелошар арт-центра «Пушкинская-10». Кроме этого к своим творческим удачам я могу отнести свою выставку «Я выпил море» проходившую в МНИ в 2007 году. Являюсь автором двух альбомов своих картин и стихов: «Красная линия»  (работы направления «социальный фолк-арт» 1969-2000);  «Цвет звука» (работы в направлении «метаэлементализм» 1966-2004) и книги визуальной поэзии «Цветослов Трансрадуги» вместе с одноимённым видеофильмом, вышедшие в 2011 году.

С 2006-2009 гг. я публиковал визуальную поэзию и тексты в журналах  «АКТ» и «Антология одного стихотворения», Санкт-Петербург, и «Черновик», Нью-Йорк, в «Антологии актуальной поэзии на «Пушкинской-10», альманахах «Петраэдр» и «Собрание сочинений» т.3, в сборниках визуальной поэзии «Пересечения границ» и «Полилог», Вена. Следует отметить некоторые теоретические публикации: «Сергей Ковальский: Пересекающиеся параллельные» (Текст и репрод.) // Петербургские чтения № 3 (1995 г.), изд. ДЕАН; «От самовыражения —  до самореализации»//Справочно-аналитический сборник «Новый художественный Петербург» 2004 г; «Цвет звука» — статья для каталога работ С. Ковальского 1966-2004. СПб.: ДЕАН, 2005 г; «Границы смысла в смысле границ», научный сборник МНИ; «От футуризма и супрематизма к супрем-арту» // Каталог «Авангард-Форум А2», — СПб.: ДЕАН, − С. 5-7, 2013 г.

В 2011 году я создал фильм «Цвет звука», раскрывающий мое понимание трансформации звука в цвет на примере шести полотен под общим названием «Храм музыки» (по две работы на музыку Кита Джаррета, Сергея Рахманинова, Софьи Губайдуллиной).

За двадцать четыре года бурной истории «Паралелошара арт-центра «Пушкинская-10» было проделано много собирательной и аналитической работы, в которой я принимал участие, по восстановлению в историческом ряду некоторой части петербургской культуры, именуемой «неофициальной». Эту свою деятельность я тоже отношу к творческой.

Фильмы

Рождение Параллелошара

Перейти по ссылке для скачивания

Цветослов Трансрадуги

Перейти по ссылке для скачивания

Цвет Звука

Перейти по ссылке для просмотра и скачивания

Движение по диагонали

Перейти по ссылке для просмотра и скачивания

Выставки

• 2019 – «Карл Маркс навсегда», Русский музей
• 2018/2019 – «Параллелошар цветозвука», Музей нонконформистского искусства, СПб
• 2018 – «20 лет МНИ: Хроника», Музей нонконформистского искусства, СПб
• 2018 – «90-е: Старая Пушкинская», Музей нонконформистского искусства, СПб
• 2017 – «Роман с Революцией», Музей нонконформистского искусства, СПб
• 2017 – «Сопричастность. 1970-е годы. СПб». ЦВЗ «Манеж» (каталог). Санкт-Петербург.
• 2017 – «Авангарденс», » арт-объекты в Михайловском саду, Государственный Русский музей.
• 2017 — «Преодоление статики», Конюшенный Павильон, Центральный парк культуры и кино 19.05-03.06.2017, Санкт-Петербург.
• 2016 – «Суперструны Кандинского», к 150-летию В.Кандинского, Музей
• 2016 – Киберфест «CYFEST», Тбилиси, Грузия.
• 2016 — Фестиваль «Симметрия»: Культура и наука, Вена, Австрия (каталог).
• нонконформистского искусства, Санкт-Петербург (каталог)
• 2016 — Фестиваль современного искусства: «Праздник дома» — к 27-летию Арт-центра «Пушкинская-10», Санкт-Петербург.
• 2015. «Визуализация текста», галерея “SEMINART”, Псков.
• 2015. Интернациональный фестиваль видеоарта “ THE WRONG”. Галерея «Лампа», СПб.
• 2015. «Цветописание», Галерея Арт-Лига, », Арт-центр «Пушкинская-10», СПб.
• 2015.  Фестиваль современного искусства: «Праздник дома» — к 26-летию Арт-центра «Пушкинская-10», СПб.
• 2014. «Территория свободы», Арт-центр «Пушкинская-10» в Государственном Русском музее, к 25-летию Арт-центра «Пушкинская-10», СПб (каталог).
• 2014. «Круг — колесо Времени»», Арт-центр «Пушкинская-10», МНИ, СПб
• 2014. Персональная выставка «Тотальная прозрачность» (фотоколлаж, арт-объекты, видео), Музей нонконформистского искусства, СПб (буклет).
• 2014. «Разрез в искусстве», Фонд Шемякина. СПб.
• Фестиваль современного искусства: «Праздник дома» —
  к 25-летию Арт-центра «Пушкинская-10», СПб.
• «Памяти С. Курехина», параллельная программа фестиваля «Манифеста» в музее «Эрарта» (каталог).
• 2013. «Авангард Форум А2», к 100-летию Черного квадрата К. Малевича, МНИ, СПб (каталог).
• 2013. «Музыка Кракова и СПб» — фотография, «Дни польской культуры», Вологодская областная филармония.
• 2013. «ИНАКИ», к 40-летию арт-группы «Инаки», Музей нонконфор-мистского искусства, СПб (каталог).
• 2013. «Цвет музыки», Галерея коллекционного искусства «DiDi», СПб (буклет).
• 2013. Персональная выставка «Цвет музыки», «DiDi Galery — галерея коллекционного искусства», СПб (буклет).
• 2013. Фестиваль современного искусства: «Праздник дома» — к 24-летию Арт-центра «Пушкинская-10», СПб.
• 2013. Фестиваль «Симметрия», Delft, The Netherlands (каталог).
• 2013. Персональная выставка «Цвет музыки II», Генеральное консульство Польши (буклет).
• 2013. Фестиваль «Принт-арт», Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.
• 2013. Персональная выставка «Цвет музыки III», Музей нонконформистского искусства, СПб (каталог).
• 2012. «Алфавит искусства», Сидней, Австралия.
• 2012. «Петербург-2012», ЦВЗ «Манеж», СПб (каталог).
• 2012. Выставка фотографии в галерее «Spaziobianco», Турин, Италия.
• 2012. Фестиваль современного искусства «Праздник Дома», Арт-центр «Пушкинская-10», СПб.
• 2012. Выставка «Музыка в живописи», Ген. консульство Республики Польша в СПб. (буклет).
• 2012. «Алфавит искусства», Музей нонконформистского искусства, СПб.
• 2012. Турне выставки петербургских художников: «Печаль светлая», галерея современного искусства «Стерх», Сургут; «Небесное и земное», Академгородок и ГЦИИ, Новосибирск; «Галерея ДИАС» Яны Салатской, Иркутск; галерея «Два Суворова», Новокузнецк; Галерея Романовых, Красноярск.
• 2012. «Природа музыки», персональная выставка фотографии, Псковский государственный объединенный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник (каталог).
• 2012. «Музыка Кракова», галерея «Арт-Бюро» на Пушкинской-10, СПб.
• 2012. «Звучащее вещество», Государственный Русский музей, СПб (каталог).
• 2011. Персональная выставка «Трансгеометрия памяти», Государственный музей истории СПб — Дом Петербургского авангарда
  им. М. Матюшина, СПб.
• 2011. «Петербург — 2011», ЦВЗ Манеж, СПб.
• 2011. Международный фестиваль «POETRYART», музей нонконформистского искусства, СПб (каталог).
• 2011. «Гении и шедевры», ЦВЗ «Манеж», СПб (каталог).
• 2011. Выставка, посвященная международному конкурсу
  им. П. Чайковского, Петербургская консерватория.
• 2011. Выставка «Танец тела — танец формы», Государственный Русский музей, СПб(каталог).
• 2011. Персональная выставка «Контр-коллаж», выставочный центр MixMax, Красноярск.
• 2011. Медиа-арт проект «Гагарин», культурный центр, Смоленск.
• 2011. Музейная ночь 16.04 «Невесомость», КИЦ, Красноярск.
• 2011. «Концептуальное видение», Зверевский центр, Москва (каталог).
• 2011. «Осторожно, Люди» — четвертая международная выставка политического плаката и карикатуры проекта «NOTA BENE», галерея «Арт-Лига» — Арт-центр «Пушкинская-10», СПб.
• 2011. «Алфавит искусства», Филадельфия, США (каталог).
• 2011. Фестиваль современного искусства, Арт-центр «Пушкинская-10». СПб.
• 2010–2011. Турне выставки «Свободная культура в пространствах Сибири и Дальнего Востока», государственные музеи: Музей Природы и Человека (г. Ханты-Мансийск), Омский областной музей изобразительных искусств им. М. А.Врубеля (г. Омск), Новосибирский государственный художественный музей (г. Новосибирск), Государственный художественный музей Алтайского края (г. Барнаул), Красноярский культурно-исторический музейный комплекс (г. Красноярск), Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск), Музей современного искусства «АртЭтаж» (г. Владивосток), Музей истории города (СПб), Центр современного искусства «Диалог» (Великий Новгород), (каталог).
• 2010. «Голландская параллель». Галерея «Арт-Лига». СПб (каталог).
• 2010. Выставка на международной конференции «Прометей-2010», к 70-летию Б. М. Галеева, г. Казань.
• 2010. Турне выставки «Крестодвижение», Музей изобразительных искусств республики Карелия, г. Петрозаводск, городской музей современного искусства, г. Великий Новгород (каталог).
• 2010. «Небесные покровители Русского Воинства» (буклет).
• 2010. «Св. Александр Невский — небесный покровитель Санкт-Петербурга».
• 2010. Фестиваль «Приношение Велимиру» — «Питерский прилетавль», ЦСИ Зверевский, г. Москва.
• 2009. «День Георгия — праздник героев». Выставочный зал РТК «Варшавский экспресс». СПб (каталог).
• 2009. «Шар в искусстве 2009». Фонд Шемякина. СПб.
• 2009. II Международный Фестиваль Независимого Искусства «Уровень Моря», посвященный 20-летию Арт-центра «Пушкинская-10», ЦВЗ «Манеж» (каталог).
• 2009. «Джазовые истории. Вижу! И слышу!» Культурный центр «Толстой-сквер». СПб.
• 2008. «Чудо Георгия о змие». Музей истории города. СПб (каталог).
• IV Международное Биеннале Графики. СПб (каталог).
• 2008. 6-й Международный фестиваль мини-арт «Избранные», Музей нонконформистского искусства. СПб (каталог).
• 2007. «Я выпил море. Опыт ностальгии. Часть I». Музей нонконформистского искусства, СПб (каталог).
• 2007. «Современное искусство художников неформальных школ и объединений Петербурга. ХХI век». Гос. выставочный зал: галерея «Беляево», Москва. (каталог).
• 2006–2007. «Пространство свободы». Музеи Университетов городов Ричмонд, Гриннель, Льюисбург (США) (каталог).
• 2006. «Приключение Черного квадрата». Государственный Русский музей. СПб (каталог).
• III Международная Биеннале Графики. СПб (каталог).
• «Время перемен». Государственный Русский музей. СПб (каталог).
• 2005. «Александр Невский и Жития русских Святых», Музей нонконформистского искусства. СПб (буклет).
• 2005. «Компьютерная графика и фотография», Музей нонконформистского искусства. СПб (буклет).
• 2005. «Коллаж в России. XX век». Государственный Русский музей. СПб (каталог).
• 2004. «Мелодии, краски, аромат весны», Гранд-отель «Европа». СПб.
• 2004. «Надземное и земное», МНИ. СПб (каталог).
• 2004. II Независимая Биеннале графики, ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 2004. Фестиваль современного искусства, посвященный 15-летию Арт-центра «Пушкинская-10», МНИ. СПб (буклет).
• 2004. «Природа геометрии», галерея «Navicula Artis». СПб.
• 2004. Фестиваль независимого искусства, посвященный 30-летию выставки ленинградских «неофициальных» художников в ДК им. Газа. ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 2004. «ИбероАмерика», выставочный зал «Смольный». СПб (буклет).
• 2004. «Написанная картина», музей Анны Ахматовой в Фонтанном доме. СПб (каталог).
• 2003. «Петербург-2002», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• «Страсти по Малевичу», ПАИБНИ, Арт-центр «Пушкинская-10». СПб (буклет).
• 2003. Выставка-инсталляция «Н.О.С.», Российская национальная библиотека. СПб (каталог).
• 2003. «День рождения буквы «е», Музей истории города. СПб.
• 2003. «Картины панков», «ГЭЗ-21», Арт-центр «Пушкинская-10». СПб.
• 2003. «Рождественская выставка», МНИ. СПб.
• 2002. Биеннале «Искусство памяти», Художественный музей.
  г. Красноярск.
• 2002. «Петербург-2001», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 2002. «Центр Дягилева в Петрозаводске».
• 2002. «Белое Рождество», Академия современного искусства в Музее городской скульптуры. СПб (каталог).
• 2001. «Петербург-2000», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 2001. «Четыре времени года». СПб-Хельсинки-Оулу (Финляндия) (каталог).
• 2001. «Петербург Out of Control», «ART-Манеж». Москва.
• 2000. «Петербург-99», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 2000. Фестиваль «СПб здесь и сейчас!», Хельсинки. Финляндия (буклет).
• 2000. «Попали в сеть», галерея «Д-137» и сайт www.german-consulate.spb.ru. СПб (каталог).
• 2000. «Медиа Арт Фестиваль-2000», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1999. «Что нам делать с монументальной пропагандой?» Музей нонконформистского искусства. СПб (буклет).
• 1999. «I love деньги», Музей нонконформистского искусства. СПб (буклет).
• 1999. «Петербург-98», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1998. «Петербург-97», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1997. «Петербург-96», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1997. «Первые пять лет», Государственный Русский музей, отдел новейших течений. СПб.
• 1997. Фестиваль «Петербург в Варшаве», культурный центр Замок Уяздовский, Варшава, Польша.
• 1996. «IV Петербургская Биеннале», Смольнинский собор. СПб.
• ГФ «Свободная культура» в Смольном (мэрия СПб).
• 1995. «Долгие ночи Петербурга». Линц, Зальцбург, Вена. Австрия (буклет).
• 1995. «От ГУЛАГа до гласности», The Norton and Nancy Dodge Collection, Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Rutgers, The State University of New Jersey USA (каталог).
• 1995. «Авангард из Петербурга». Гамбург. Германия (буклет).
• 1994–1996. «Самоидентификация». Киль, Берлин, Осло, Сопот, СПб, Копенгаген (каталог).
• 1994. «III Петербургская Биеннале», ЦВЗ «Манеж». СПб.
• 1994. «Петербург-94», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1993. «Петербург-93», ЦВЗ «Манеж». СПб.
• «Карнавал», ЦВЗ «Манеж». СПб.
• 1992. «Портрет в интерьере», ЦВЗ «Манеж». СПб (каталог).
• 1991. «Ковчег XXI век», Охта. Ленинград.
• 1991. «Картины возвращаются в Россию, картины остаются в России», ЦДХ. Москва (каталог).
• 1990–1991. «Хранители огня», турне по США (каталог).
• 1990–1992. «Что не запрещено, то разрешено», турне по университетам США и Канады (буклет).
• 1990. «Памяти Е. Рухина», ТЭИИ/ТЭВ, ЛГУ им. А. А. Жданова. Ленинград.
• 1990. «Фестиваль советского искусства», Сан-Диего. США.
• 1990. «Фестиваль ленинградских галерей», ЦВЗ «Манеж». Ленинград (буклет).
• 1990. «Небо и твердь», ЦВЗ «Манеж». Ленинград (буклет).
• 1989. «Охта-89», ТЭИИ. Ленинград.
• 1988–1989. «Выставка 21 художника ТЭИИ», турне по США (каталог).
• 1988–1989. «Супрематическое воскрешение К. Малевича», Витебск, Минск, Москва (буклет).
• 1988. «Фестиваль современного искусства». Нарва. Эстония.
• 1988. «1000 лет крещения Руси», ТЭИИ. Ленинград.
• 1988. «Современное искусство Ленинграда», ЦВЗ «Манеж». Ленинград.
• 1988. «От неофициального искусства к перестройке», Гавань. Ленинград (буклет).
• 1987. «Гавань-I». ТЭИИ. Ленинград.
• 1987. «О братьях наших меньших», Литейный, 57. Ленинград (буклет).
• 1987. «ТЭИИ в МГУ». Москва.
• 1986. «ART Today». Будапешт. Венгрия (каталог).
• 1984–1987. Выставка ТЭИИ, Дворец молодежи, ДК им. С. М. Кирова. Ленинград.
• 1983. «5/4», Дом ученых на Лесном. Ленинград.
• 1982. «ТЭИИ-1», ДК им. С. М. Кирова. Ленинград.
• 1982–1991. Выставки ТЭИИ.
• 1981. «На Бронницкой». Ленинград (каталог издан в самиздате).
• 1980. «Олимпийская выставка», Дворец молодежи. Ленинград (буклет).
• 1980. «Выставка 14», Дворец молодежи. Ленинград.
• 1973. Выставка в ДК им. 10-летия Октября. Ленинград.
• 1973–1979. Квартирные выставки. Ленинград.

Актуальные проекты

2018 год

• Организация и участие XХV ФЕСТИВАЛЯ СВОБОДНОГО СТИХА,  FishFabrique.
• Организация и участие Конференции «Неподцензурная литература»,  FishFabrique.
• Работа над концепцией Музея БИТЛЗ Коли Васина, организация ремонта помещения.
• Собирание коллекции МНИ, работа над новым каталогом
• Издание 2-й книги верлибров «Параллело цвексты».

2017 год

• Организация и участие XХIV ФЕСТИВАЛЯ СВОБОДНОГО СТИХА,  апрель 2017 ГОД. Дом Державина.
• Организация и проведение  литературного вечера 22 ноября  Бронзовый век русской культуры (1953-1989), юбилей поэта СЛАВА  ЛЁН. Музей нонконформистского искусства  Арт-центра  «Пушкинская-10»
• Организация и создание в-ки ТРАНСФУРИЗМ. 24.12.2017 МНИ
• Подготовка издания каталога в-ки Трансфуризм.
• Организация и участие в конференции САМИЗДАТ, доклад: Нонконформистское изобразительное искусство Ленинграда-Петербурга в самиздате. 23 декабря. Фиш-фабрик.
• Подготовка XХV ЮБИЛЕЙНОГО ФЕСТИВАЛЯ СВОБОДНОГО СТИХА, 2017- 7 апреля 2018 Год.
• Подготовка и проведение международной конференции ТРАНСФУРИЗМ, 2017-13.01.2018
• Подготовка к изданию Сборника докладов конференции 2016 года – «Суперструны Кандинского», к 150-летию В.Кандинского.
• Доклад: Квартирные в-ки Ленинграда. 15.10.17 – ЦВЗ Манеж.
• Работа над фильмом об Арт-центре «Пушкинская-10» к его 30-летнему юбилею в 2019 году. Совместно с режиссёром Владимиром Непевным.
• Подготовка и проведение в-ки Игоря Иванова. Февраль-март. МНИ.
• Подготовка к в-ке Владимира Видермана в МНИ.
• Собирание коллекции МНИ.

Претворение в практику концепции: ПАРАЛЛЕЛОШАР В ПРОСТАНСТВЕ ТРАНСРАДУГИ.

Статьи

С. Ковальский. Хроника неофициального искусства Лениграда.

С. Ковальский. От самовыражения к самореализации: Товарищество «Свободная Культура»

С. Ковальский. Квартирный андеграунд русского авангарда.

С. Ковальский. ПУШКИНСКАЯ-10 – ПАРАЛЛЕЛОШАР.

С. Ковальский. Движение по диагонали. Выставки ленинградских «неофициальных» художников ТЭИИ («вторая волна» 1981-1991 гг.)

С. Ковальский. Границы смысла в смысле границ.

С. Ковальский. Инстинкт свободы.

С. Ковальский. ПАРАЛЛЕЛОШАР арт-центра «Пушкинская-10»

«Цветослов Трансрадуги», книга.

Публикации о С. Ковальском

«Цвет музыки» Сергея Ковальского

Третий случай

Параллелошар: Онтология — семантика — эстетика

Звук как средство формообразования в живописи Сергея Ковальского

Карта мира Сергея Ковальского: искусство как способ конструирования реальности

Заумь о Параллелошаре Сергея Ковальского

Неофициальное искусство Петербурга (Ленинграда). Очерки истории

«Красная линия» Сергея Ковальского как образец философии нонконформизма

Список основных публикаций о Сергее Ковальском

Фотогалерея Сергея Ковальского

Цвет звука

Социальный фольклор

Параллелошар

«Параллелошар» — художественный символ ХХI века — виртуальное художественное пространство, параллельное иным.

Он представлен в виде модели геометрического тела в пространстве Трансрадуги. Интересно, что время возникновения этого символа в 1990-х годах совпало с замечательной находкой объёмного оригинала Чёрного квадрата*. Этот факт послужил отправной точкой в поисках нового художественного символа и становлению нового направление визуального искусства: «Метаэлементализм».

Развитие науки и техники в ХХ веке выявило в искусстве множество новых направлений и течений. Каждое из них может быть представлено в истории искусства художественными символами, определяющими, как вехи, перелом в осознании человеком окружающего пространства. Примерно, как у древних греков за 500 лет до н.э., когда благодаря развитию технологии театра, они перешли от понимания двумерного пространства к трёхмерному. Композитор и философ Владимир Мартынов выделяет три таких символа: «Чёрный квадрат» Казимира Малевича, «Писсуар» Марселя Дюшана и «4’33» Джона Кейджа. К этому ряду возможно добавить оперу «Порги и Бесс» Джорджа Гершвина, «Композиция VI» Василия Кандинского, для России «Пир Царей» Павла Филонова, «Мальчик на красном коне» Кузьмы Петрова-Водкина.

На рубеже тысячелетий, когда человечество вторглось в виртуальную реальность, вплотную приблизившись к освоению параллельных пространств во множестве измерений, должен возникнуть новый художественный символ, знаменующий начало новой эпохи.

Параллелошар – понятие замкнутого виртуального пространства, перемещающегося в 11 цветах Трансрадуги Мира и параллельного многим иным, становится таким художественным символом в ХХI веке. Именно ШАР, геометрическое тело, самая устойчивая биофизическая природная форма во внешнем и внутреннем Космосе, ограниченная самозащитной сферой, для человечества — Ноосферой.

Это объект, в своей реалии, казалось бы не должен существовать субстанционально. Но актуализируя необходимость, как в древнегреческой цивилизации, перехода от одной из ключевых символических форм видимого мира ХХ века – Чёрного квадрата к новой, видимой форме-символу предваряющей объективно-мыслимое тело, мною создан трёхмерный объект: ПАРАЛЛЕЛОШАР в пространстве ТРАНСРАДУГИ.
*Оригинал арт-объекта «Чёрный квадрат» Казимира Севериновича Малевича был обнаружен в 1990 году на кладбище в д. Немчиновка Московской области, в процессе поиска места захоронения урны с прахом Мастера. В радиусе 20 метров на восток от памятника, спроектированного Николаем Суэтиным, но установленного много позже, в результате стаивания снежных масс, в земле обнажилась известковая каверна, в которой был найден предмет: квадрат из дерева, покрашенный в чёрный цвет, размером 408 х 408 х 50 мм.

Анализ состояния древесины показал соответствие 55-летнему времени пребывания ее в земле, что дает основание предполагать об одновременном захоронении праха Малевича и арт-объекта «Черный квадрат». По некоторым признакам можно условно датировать появление этого «Черного квадрата» 1908 годом, как оригинального «предметного» объёмного произведения Казимира Малевича.

На месте находки, 23 мая 1990 года, художниками Минска и Ленинграда в процессе перфоманса «Воскрешение Казимира» была проведена его заключительная акция: «Черный квадрат» и модель супрематического гроба Малевича были преданы огню очищения. На пепелище уцелел лишь обожженный, арт-объект «Черный квадрат».

9 февраля 2013 года, в процессе перфоманса «Рождение Параллелошара», оригинал «Чёрного квадрата» был представлен в Музее нонконформисткого искусства.

ОТ ФУТУРИЗМА И СУПРЕМАТИЗМА К СУПРЕМ-АРТУ

Выставка посвящена «Чёрному квадрату» Казимира Малевича – одному из фундаментальных художественных символов ХХ века. На осмысление его значимости ушло 100 лет. В течение этого, спонтанно очерченного века, параллельно возникали и другие художественные символы, которые продолжали расширять человеческое сознание по горизонтали и развивать по вертикали. Все они, так или иначе, выстраивались по диагонали, ведущей к совершенству формы сохранения метаинформации.

Но, за эти же 100 лет, общество сумело девальвировать сакральное значение как «Чёрного квадрата», так и прочих художественных символов, определив им цену, выраженную в денежных знаках. Тем самым уровняв их с рядовыми ремесленными работами.

Поэтому закономерно, что к началу третьего тысячелетия, к достижениям науки и техники, отрывшим для человечества путь во внешний космос, понадобилось третье составляющее жизненной гармонии – новый художественный символ, отражающий современное понимание внутреннего космоса и поливариантности космоса в целом.

Творчество художников, работы которых экспонируются на этой выставке, тесно связано с Авангардом начала ХХ века, Футуризмом, Супрематизмом. Они работают много лет в разных стилях, но в одном направлении: создании форм произведений искусства, которые сохраняют метаинформацию космоса и обладают вектором устремления в будущее. Это искусство нового Авангарда: «СУПРЕМ-АРТ».

На нашей выставке мы предлагаем одну из таких художественных парадигм. Это «Параллелошар» — виртуальное художественное пространство, параллельное иным, естественным образом продолжающий выше упомянутую диагональ.

Сергей Ковальский представлят его на выставке в виде модели геометрического тела в пространстве Трансрадуги. Интересно, что время возникновения этого символа в 90-х годах совпало с замечательной находкой объёмного оригинала Чёрного квадрата, который также вошёл в экспозицию.* От этого факта отталкивался автор в поисках нового художественного символа, развивая своё направление визуального искусства: «Метаэлементализм».

Вячеслав Колейчук открыл новый вид изобразительного искусства: светостереографию. Создал металлозвукосинтезатор: овалоид. Он изобретатель самонапряжённых конструкций. Идеолог «Тотального театра», в реализации концепции которого сотрудничает с ним Анна Колейчук.

Ры Никонова и Сергей Сигей, являясь продолжателями футуризма в изобразительном искусстве и «обэриутов» в литературе, манифестируют своё, направление: «Трансфуризм».

Геннадий Зубков развивает идею ученика Малевича Владимира Стерлигова: «Чашнокупольное пространство».

Нашивочников Юрий, патриарх современного искусства, развивая художественные принципы двух петербургских школ: В. Стерлигова и О. Сидлина, перешагивает, в представленных работах, время «Тёмного века» Малевича и являет образы будущего «Золотого века».

Борислав Михалевич, манифестирует стиль развитого классического авангарда: :«Субстанциализм» — пространство духовно-энергетического формотворения света.

Валентин Самарин создал свой метод работы с энергетическими потенциалами времени и пространства: «Санки». Это другая реальность, другая вселенная, скрытая в нас, инобытие пространства и времени в фотографиях на светочувствительных эмульсиях серебра.

Вадим Воинов использует для создания работ, представляя супрематизм, как часть контекстуальной истории России, собственный метод: «Функциоколлаж» и манифестирует своё направление: «Астроконструктивизм».

Евгений Орлов, исповедуя философию «Космизма», предлагает концепцию «Саморазвивающегося квадрата».

Виктор Коломейцев представляет кадрированный взгляд во Вселенную в квадратах картин, как элементах фрактала. Он демонстрирует почти невозможный баланс между светом и цветом, когда последний есть, поглощенная поверхностью, часть спектра света.

Наталья Абалакова и Анатолий Жигалов, в своём многогранном творчестве, демонстрируют метод: «Тотарт».

Александр Малей создаёт двойное пространство, основанное на восприятии физического и трасцендентного мира как единого целого. Он пользуется методом свёртывания двумерной геометрии «Чёрного квадрата», который называет: «Обратная информация».

Александр Панкин, выстраивая математически точные композиции, показывает преемственность художественных символов при переходе от «Чёрного квадрата» в виртуальное пространство «Параллелошара.

Янош Шаш Саксон демонстрирует возможность интеграции геометрических форм «Супрематизма» в своё направление: «СупреМадизм».

САН САН КА РА создаёт геометрические композиции идея которых заключается в том, чтобы локальные светоцветовые «наглядные идеалы» закономерно включить в «наглядные идеалы» геометрических фигур, одновременно принадлежащих как умосозерцанию, так и вещественному миру и создать из них смысловой кристалл картины мира (эйдос) и знаково-символический язык (логос), что есть логос эйдоса.

Валерий Вальран проводит эксперимент в своих хостах, соединяя, казалось бы несоединимое: минималистские рациональные схемы геометрического абстракционизма с живописной стихией экспрессивного абстракционизма.

Леонид Борисов, Юлий Рыбаков, Александр Юликов отталкиваясь от супрематического конструктивизма, играя со смыслами ментального порядка, можно сказать, преодолевают антиматерию «Чёрного квадрата» возвращают на своё место «Побеждённое Солнце».

Тем самым завязывая спор-диалог с авангардистами начала ХХ века, как и все представленные художники. Это и есть цель выставки.

В праздновании юбилея футуризма примет участие Александр Горнон, поэт-полифоносемантик, который занимается поэтической анимацией в своих видеофильмах и Николай Судник, основатель авангардной группы «ЗГА», ключевая особенность звучания которой — использование необычных источников звука на основе пьезоэлектрической технологии, разработанной им самим. На концерте будет исполнена сюита-оратория «Футуроз» на стихи поэтов футуристов.

Анна Юрьевна Демшина, доктор культурологии, художник, дизайнер, 2012.

Заумь о Параллелошаре Сергея Ковальского

«ПАРАЛЛЕЛОШАР» или «PARALLELOSPHERE» — понятие замкнутого виртуального пространства, перемещающегося в 11 цветах Трансрадуги Мира и параллельного многим иным (С. Ковальский. «От «Чёрного квадрата» ХХ века к Параллелосфере Параллелошара XXI века», 2012)

«Заумный язык, значит находящийся за пределами разума» (В. Хлебников. «Наша основа», 1919)

Есть вещи, идеи, образы, которые становятся проводником особой энергии, приоткрывают подлинную суть вещей, побуждают нас отправиться в собственное путешествие по освоению мира, углубиться в поиски оснований и векторов бытия. У каждого человека, наверное, есть своя система подобных знаковых образов, ряд из них обретает особенное значение для человечества в целом, некоторые становятся знаковыми для эпохи или поколения.

Сергей Ковальский представляет собственную систему переломных произведений, отмечающих для него вехи в осознании человеком окружающего пространства в ХХ веке. От «Чёрного Квадрата» Казимира Малевича, «Писсуара» Марселя Дюшана, «4’33» Джона Кейджа, оперы «Порги и Бесс» Джорджа Гершвина, «Концертов духовной музыки» Дюка Эллингтона, «Серенады» ор. 24 Арнольда Шенберга, «Композиции VI» Василия Кандинского до «Пира Царей» Павла Филонова, и «Мальчика на красном коне» Кузьмы Петрова-Водкина.

Как следующую веху в этот ряд Ковальский вводит собственный знаковый символ — «Параллелошар», который, по мнению автора, соответствует духу современной эпохи, демонстрирует возможный потенциал нашего времени, отражает идею возможности освоения человеком и человечеством новых миров, параллельных пространств и измерений. «Параллелошар» обозначается автором как «понятие замкнутого виртуального пространства, перемещающегося в одиннадцати цветах Трансрадуги Мира и параллельного многим иным».

“Параллелошар», рассматриваемый Ковальским в контексте предложенной автором системы переломных произведений, может быть увиден как попытка художника увидеть через целостность развития искусства целостность мира и эволюцию законов его устройства. Для современного просвещённого зрителя выступление художника на поле философии, в пространстве поисков универсалий выглядит уже традицией. С момента прорыва художественного за рамки фигуративного, в ситуации ускоренного развития средств тиражирования и воспроизводства реальности при помощи техники и технологий, художники вместе или вместо того, что принято называть “произведением искусства“, начали поставлять миру модели для понимания собственного творчества, представлять свои концепции миропонимания. Развитие глобального информационного поля, появление виртуальной реальности открыли для художников новые возможности, но и сместили точку координат, которая отмечает положение художественного по отношению к другим формам человеческого опыта. Виртуальная реальность стала местом видимого воплощения или мира фантазии, мечты или создания его суроггата, по крайней мере, для глаза.

В какой-то мере художники сегодня пытаются проникнуть в то пространство, которое традиционно соотносилось с религией, духовностью, философией; подчас пытаются брать на себя их функции. Автор, вынужденно или по собственной воле, формулирует, дублирует, уточняет и развивает свои идеи не только средствами звука, художественного слова, визуального образа, но и при помощи вербального комментария. Связано ли это с недостаточностью для самовыражения языка «родного» для творца вида творческой деятельности или это просто новая традиция, или что-то иное, но для современного художественного мейнстрима автор, выступающий в роли критика или философа, стал привычной фигурой. В то же время, начиная с искусства авангарда, манифесты, концепты и тексты художников стали важной частью развития человеческой мысли. Сергей Ковальский видит свою концепцию Параллелошара в русле поиска законов миропонимания через художественное творчество.

«Параллелошар», как концепт изначально возник у Сергея Ковальского в начале третьего тысячелетия, в 2004 году, что для ряда пытливых умов, уважающих цифры и даты, может показаться знаковым. Как говорит автор, «Параллелошар» сразу соединился с другой концептуальной идеей художника, с «трансрадугой», сформулированной чуть раньше — в 1998 году. Позже концепт получил свои визуальные воплощения, каждое из которых демонстрирует этапы путешествия автора по освоению и пониманию собственного изобретения. Художником представлены ряд арт-объектов, посвященных этой теме: «Лестница в параллелошар» и серия моделей трёхмерного объекта «параллелошар» в пространстве «трансрадуги». Под названием «Параллелошар» Ковальский с 2005 года выпускает журнал, демонстрирующий практические и теоретические достижения деятелей «Пушкинской — 10». На Пушкинской 10 раз в год выбирается «Человек Параллелошара года».

Смысл «параллелошара» эволюционировал для автора: от метафоры идеи параллельного существования нонконформистского искусства в советском и в постсоветском пространстве к более глобальному осознанию «Параллелошара» как особой вневременной субстанциональной сущности. Изначально для Сергея Ковальского «параллелошар» стал способом осмысления своего места и места нонконформистского искусства в эпоху СССР, когда понятие «искусство» было тесно связано с официальной идеологией, а всё не соответствующее идеологии искусством не признавалось, сознательно уничтожалось и вытеснялось; как не мог быть художником, человек, не состоящий в официальном «Союзе художников». При этом в советскую эпоху на лицо было существование целого слоя художественных произведений, творческих личностей, создававших иное искусство, бытовавших и выживавших в параллельной к официозу реальности.

Параллельное существование «другого искусства» в нашей стране, основанное на «самоопределении, самоорганизации, самообеспечении и инакоделании» было, да и остается, единственной формой выживания искусства не ориентированного на официальную идеологию, на модные кураторские стратегии или коммерческие запросы и маркетинговые стратегии. Выработанные на основе собственного опыта автора методы и идеи оказались на деле шире и глобальнее, чем частный случай выживания инакомыслящих в конкретной стране. Это позволило художнику со временем развить идею «параллелошара» в концепцию параллельного пространства жизни мыслительной энергии в целом. В любое время для инакомыслящих творческих личностей любых профессий подчас ближе не рядом существующие индивидуумы, а такие же инакомыслящие, неважно, где и когда они жили или живут.

Для ряда нонконформистов в советское время Леонардо да Винчи, Малевич, Уорхол или Beatles были роднее, чем соседи по лестничной площадке или генеральные секретари. Так же как и для некоторых современных инакомыслящих эти или другие фигуры и события ближе, чем медийные персоны или герои официальных рейтингов.

Параллелошар как раз и пытается объяснить эту параллельную жизнь души, происходящую вне того, что можно назвать эпохой, обыденностью или общественной нормой. Параллелошар у Сергея Ковальского выступает как над языковая, над временная субстанция. Сам художник утверждает, что в основе его концепта неслучайно оказалось такое геометрическое тело как шар: «Именно шар, сфероидальное тело, является самой устойчивой биофизической формой во внешнем и внутреннем Космосе. На Земле подобные формы защищены Ноосферой. Сама планета Земля имеет сфероидальную форму, параллельную самой себе, множественно существующей в иных измерениях! Ноосфера — едина для всех измерений, так как нематериальна».

Важной для Ковальского является идея связи звука и изображения: «вначале был звук, человек услышал биение собственного сердца, шум крови бегущей по венам. Слово появилось уже потом. Поэтому звук остаётся основой восприятия». Поэтому неслучайно в эпиграфе к этому тексту обращение к наследию В. Хлебникова и к заумникам, искавшим универсальный язык, праязык, доступный внесознательному пониманию всех людей, язык, с помощью которого человечеству передаются пророчества, высший духовный опыт, сокровенные истины бытия. «Параллелошар» С. Ковальского с определенной точки зрения так же может быть увиден, как попытка найти и осмыслить эти же универсалии и празначения, ведущие к новому духовному опыту, находящиеся за гранью обыденного разума, которые через создание новых принципов и понимания искусства искали авангардисты. Для пытливых умов, внимательно относящихся к цифрам и любой другой информации, ищущих рационального объяснения всему и вся, можно дать несколько логических объяснений строения и существования того, что С. Ковальский назвал «параллелошаром».

Если попробовать поразмышлять о месте параллелошара в системе бытия, то можно соотнести его с другими понятиями, существовавшими и существующими на разных этапах развития человечества. Параллелошар смог появиться только тогда, когда появились люди: их эмоции, чувства, мысли стали образовывать особый тип энергии, сформировавшийся в самостоятельную саморазвивающуюся субстанциональную энергетическую сущность. Эта энергия незаметно для многих и стала постепенно тем, что можно назвать “Параллелошаром“. В разные эпохи люди осознавали наличие этой субстанции, видели и познавали её различные грани; определяли её согласно своему разумению, давали ей имена: трансцендентное, ноосфера, антропосфера. Эти имена не противоречат друг другу, а, можно сказать, раскрывают различные стороны того, одну из граней которого С. Ковальский определил как параллелошар. Состояние параллелошара дает выход и иррациональное, позволяет увидеть подлинную суть вещей, через дымку окружающего мира, совершить прорыв в другие измерения.

С математической точки зрения параллелошар может быть представлен как объемная, трёхмерная обратная модель числа Пи: трёхмерный квадрат вписанный в шар, вместо традиционного круга, вписанного в квадрат. Структуру параллелошара, как, впрочем, и многое другое, хорошо объясняет квантовая физика. По сути, он является и частицей и волной одновременно, что позволяет ему не только существовать в собственном пространственно-временном континууме, но и свободно быть в других системах координат, одновременно проявляться в параллельных мирах и временах. Благодаря этому свойству параллелошар сохраняет свою независимость и в то же время впитывает новое из этих миров и из субъективного опыта. Это состояние сравнимо с моделью называемой физиками, «точкой зеро», когда при температуре минус триста градусов по Цельсию, атом вроде бы не совершает видимых движений, но постоянно перемещается из состояния бытия в состояния небытия, вырабатывая при этом колоссальную энергию. Можно предположить, что состояние между бытием и небытием, миром дольним и миром горним, природой и человеком, разумным и неразумным даёт параллелошару уникальные возможности, в частности путешествия между мирами и временами.

В то же время параллелошар как единая целостность состоит из множества параллелошаров, взаимодействующих между собой и с целым, пересекающихся или просто дающих свой оттенок, интенцию в общую систему по принципу фрактального подобия (благодаря трансрадуге, пронизывающей все и вся в параллелошаре). По мнению С. Ковальского, в цветовых пространствах трансрадуги проходит жизнь тела человека на Земле и его души на ней и за её пределами: «Это 11 цветов: привычных семь цветов радуги-ауры, в которых существует тело человека: красный, оранжевый, жёлтый, зелёный, голубой, синий, фиолетовый и еще четыре, в которых продолжает жить душа человека после смерти тела: белый, серебряный, чёрный и золотой. В каждом периоде жизни тела и души человека превалирует определённый цвет, соответствующий их биофизическому и душевному состоянию в данный отрезок времени. Моделируя варианты положения Параллелошара, это состояние отображается в расширении определённого цвета Трансрадуги Мира». Трансрадуга выполняет и функции медиатора между всеми частями параллелошара. Она редуцирует миры, созданные авторами и наблюдателями, изменяющими наблюдаемое в единую субстанциональную сущность, объединяя индивидуальные голоса в единый ансамбль, согласуя различные понимания устройства Вселенной и механизмов синхронизации этих частей. Каждый прошедший по пути параллелошара или ставший им, изменяет не только собственную личность. Такая личность или артефакт меняет и сам параллелошар, даёт ему новые пути развития и точки отчёта, согласно принципу «наблюдателя влияющего на пространство наблюдения» (изящно представленного ещё Верноном Гейзенбергом). К сожалению некоторых индивидуумов, понять возможности и суть параллелошара полностью можно только или находясь в параллелошаре, или став им.

Параллелошар может быть рассмотрен как нелинейная саморазвивающаяся самоорганизующаяся система, основанная на взаимодействии творческой энергии. Это надпространство, тесно связанное с природой и её законами, в котором время, географическое положение мыслящих субъектов не имеют принципиального значения. Поэтому здесь свободно пересекаются потоки субъективного опыта и понимания людей, существующих или существовавших в различных временных и пространственных локусах; исторически обусловленные априорные компоненты бытия, актуальные для каждого времени, сплетаются в единую субстанцию. Как нелинейная система, параллелошар имеет вариативную составляющую, состоящую из множества бифуркационных точек, и ядро, как субстрат константного, неизменного. Ядро обеспечивает сохранение и развитие идей и мыслительных образов.

Каждая часть параллелошара тоже может быть понята как нелинейная саморазвивающаяся система. Конфигурация параллелошара позволяет частям с точки зрения линейного мышления существующим в прошлом, продолжать своё развитие за счёт новых контекстуализаций, новых ракурсов их понимания. Это так же даёт всей системе и каждой её части новую энергию, открывает новые грани Вселенной. По мере развития параллелошары приближаются к ядру. Есть печальная сторона этого процесса: параллелошары так и не смогшие стать частью целого, воплотить себя до конца; они отмирают, оставляя почти невидимый след. Отдельная история вещи, прикидывающиеся параллелошаром, симулякры, но на их характеристике не стоит даже останавливаться.

Параллелошар Сергея Ковальского, по сути, это концентрация искренней, бескорыстной творческой энергии человека, природы и мира, которой потенциально владеет каждый из людей. Ценность независимого творческого потенциала, возможность его раскрытия и осознание хрупкости человеческой души сегодня, в век новых технологий, систематизации жизненного мира и всеобщей коммерционализации неимоверно важны, как важны и точки сосредоточения этой энергии. Неслучайно, сама идея параллелошара изначально была осознана Сергеем Ковальским в связи с осмыслением существования «Пушкинской-10» (одним из основателей которой он является) как самостоятельного саморазвивающегося арт-объекта, способного вступать в контакты с внешним миром, сохраняя собственную целостность. Говоря об Арт-Центре, Ковальский сравнивает его с коллективным произведением искусства: «Параллелошар Арт-центра «Пушкинская-10″ является произведением коллективного творчества деятелей современной культуры Санкт-Петербурга. Параллелошар ? самовоспроизводящийся и саморазвивающийся кинетический объект современного искусства. Он представляет собой художественное пространство, параллельное иным. В нём сконцентрировано по принципу квартирного бытования независимое петербургское искусство художников-нонконформистов сохранивших своё место на Родине».

Как было сказано выше, по идее Сергея Ковальского параллелошаром может стать практически всё, наполненное творческой мыслительной энергией: артефакт, художественный объект, музыкальное произведение, текст. При определённых условиях им может стать и конкретная личность или общность личностей или сформулированная множественность текстов или художественных объектов. Даже выставка или научный форум могут развиться до состояния параллелошара. Как концепт и арт-объект параллелошар Сергея Ковальского представляет собой интересный феномен, сочетающий в себе энергию, двигавшую вперёд когда-то художников-авангардистов, с пониманием необходимости осмысления возможностей человека сегодня, в XXI веке.

Сергей Ковальский. Путешествие в Параллелошар

Назвать Сергея Ковальского только художником и на этом остановиться – значит умолчать о многом другом, что составляет круг его не менее важных занятий. Ковальский создаёт картины, объекты, видеофильмы, пишет литературные и поэтические тексты, развивает философскую теорию «Параллелошара в пространстве Трансрадуги». Он – один из основателей арт – центра Пушкинская 10, учредитель и президент товарищества «Свободная культура», основатель Музея нонконформистского искусства, организатор выставок и проектов.
Ковальский всегда был верен основным принципам манифеста «Инаки», написанного им в юности вместе с двумя единомышленниками – художниками Б.Митавским и В.Богорадом: «Наши картины прежде всего должны провоцировать зрителя, провоцировать его воображение…мы оказываем себе, так же как и зрителю, максимум доверия». Инаковость, внутренний бунт против системы подавления свободы личности, открытость к свободному творчеству – стали чертами характера Ковальского, определившими всё его творчество. Его деятельность – это чаще всего творческая провокация, стимулирующая на дальнейшее развитие самого себя и любого другого, оказавшегося рядом. Художник пишет в биографии, что его образ жизни и система обучения в школе никогда не совпадали, но шли «параллельными» путями общепринятым нормам советского общества. Он постоянно занимался самообразованием, читал классическую литературу, слушал музыку и общался с единомышленниками. Осознавая лицемерие советской идеологии, Ковальский жил своей обособленной параллельной жизнью, пересекавшейся с социальными магистралями, лишь тогда, когда, как он говорит, совершал «перпендикулярные» поступки, идущие в разрез со спокойным и сытым массовым конформизмом.

Ковальский был странником в различных пространствах, которые он называет параллельными. Странничество стало поиском и осуществлением свободы – быть свободным в несвободной стране.

В биографии художник отмечает: «В своём стремлении постичь как можно больше иных пространств я прочёл всю русскую классическую литературу, некоторых французских, английских и американских писателей. Любимыми были Л. Толстой, М. Лермонтов, Ч. Диккенс, Ф. Стендаль, Ж. Верн, Э. По. Меня захватила классическая музыка, особенно произведения С. Рахманинова, Ф. Листа, Л. Бетховена. В многочисленных школах прилежанием не отличался. Всё своё время я посвящал сочинению стихов. Так я учился жить параллельно быту». Главным всегда было самообразование, идущее параллельно и вразрез общепринятому.
Художник признаётся, что главным нервом его жизни была музыка. Ещё тогда в 70-х годах душу бередила музыка и атмосфера свободы на рок-фестивалях Америки и Европы, о которых узнавали, слушая радиоприёмники, искали передачи сквозь «глушилки» цензуры. Потом стал ходить на концерты отечественных рок музыкантов. Ещё в юности Ковальский начал серьёзно заниматься живописью и поэзией – создавал ассоциативные абстрактные композиции, отражавшие образные миражи на вполне конкретные музыкальные темы. Так, родилось направление «Метаэлементализм»[1] в изобразительном искусстве, как трансформация звука в цвет в технологии контрколлажа – живописной иллюзии коллажа. Из близких друзей образовалась творческая группа: С.Ковальский, Б.Митавский и В.Богорад. Художники понимали, что плоды их творчества: картины, графика, стихи, не подходят под мерки социалистического реализма, но также всё, что они делали, не похоже на практику мирового искусства. Они осознавали себя инакочувствующими, инакомыслящими, инакоделающими и назвали себя «Инаки». Был написан «Манифест» группы, представленный зрителям на первой квартирной выставке в марте — апреле 1974 года. Именно в это время в разных районах города такие же неофициальные художники начали проводить свои квартирные выставки. Множество любителей нового искусства посещали квартиры с картинами, узнавая о них от знакомых. Зрители курсировали от выставки на квартире Г. Михайлова к Инакам, а затем в Музей современного искусства на квартире писателя В. Нечаева. Ковальский читал свои стихи на квартирных выставках, стихи позднее публиковались в самиздатовском альманахе «Голос», выходивший малым рукописным тиражом. Группа Инаки увлечённо занималась собственным творчеством и организацией квартирных выставок, а параллельно им другие независимые художники объединились и стали участниками выставок «Газаневщины».

Музыка нового времени просачивалась и прослушивалась, несмотря на запреты цензуры в жизнь закрытого общества. Новые альбомы, которые удавалось слышать отрывками по заграничному радио, звучали в квартире Ковальского круглые сутки. Это были: Кинг Кримсон (King Crimson), Генезис (Genesis), Джетро Талл (Jetro Tull), Ван дер Грааф (Van der Graaf). В стране началась эмиграция. Часть интеллигенции, не желавшая больше жить в условиях тоталитарного общества, покидала СССР. Музыка альбома «Стена» (The Wall) — Пинк Флойд (Pink Floyd), особенно задевала художника, не желавшего уезжать из своей страны, так же как и продолжать жить в ней с ощущением связанных рук. «Инаки» решили между собой, что, если придется эмигрировать, то лишь в том случае, если перед ними поставят выбор: ехать на «Запад» (в Европу) или на «Север» (в Сибирь, в места лагерного заключения), — к счастью, этого не случилось.
Волей случая Ковальский отправился в топографическую экспедицию, что привело его к обучению в топографическом техникуме. Учёба соединялась с занятиями живописью, литературой, постижением и накоплением «комической энергии». Географические карты, картография раздвигали диапазон жизненного пространства, помогали осознавать множественность мира. Экспедиции продолжались с весны по осень и были сосредоточены в центральной России и Прибалтике. Как ни странно, увлечение картографией оказалось, важным шагом в иное, параллельное пространство свободы. Здесь происходило освоение «параллельных пространств», составлялись карты земной поверхности. Здесь создавались основы будущей теории параллельных пространств и времён.
Спустя несколько лет активная творческая деятельность заставила отказаться от экспедиций и включила Ковальского в интенсивную художественную и выставочную жизнь. В 1982 году он становится организатором объединения художников нонконформистов – Товарищества экспериментального изобразительного искусства (ТЭИИ). Товарищество включало в себя более 100 художников города, не вступивших по разным причинам в государственную организацию Союз художников, в основном, из-за отсутствия художественного образования и формальными ориентациями в искусстве. ТЭИИ выполняло функции защиты прав своих членов и организации выставок.

В 1989 году совместно с американским художником Барбарой Хазард Ковальский представлял выставку нонконформистов ТЭИИ в Калифорнии, США. Он прочитал там несколько лекций о ленинградском андеграунде в университетах Беркли и г. Олимпия, читал свои стихи в русском доме Колумбийского университета. Весной 1989 года после поездки в Америку Ковальский занял под мастерскую пустующую квартиру в доме №10 по Пушкинской улице. Дом ставился на капитальный ремонт и из него были выселены все жильцы. Позднее весь дом станет громадным «ульем», в котором будут роиться художники, поэты, музыканты и артисты, он превратиться в Арт – Центр «Ковчег ХХ1 век». Здесь деятелям «неофициальной» культуры, предстояло создать пространство художественной свободы,
Занятия литературой приходилось прерывать на несколько лет. Изобразительное вытесняло вербальное, поэтическое слово материализовалось на холсте. В середине 1980-х определилось второе направление работы в изобразительном искусстве: социальный фолк-арт. Художник использовал словесные штампы, вводил их в живописное поле, усиливая остроту социального звучания. Вербальное спорило с изобразительным, усиливая гротеск социального содержания, слова складывались в рисунки. Из этого синтеза вырастала визуальная поэзия. Хлёсткие тексты складывались в картины. Творчество было открыто влияниям со стороны иных видов искусства – поэзии и музыки, а в широком смысле – ломало привычные границы живописи и устремлялось на поиски параллельных сфер и новых ценностей.
Теория «параллелошара» возникла у художника в 2004 году и соединилась с другой концептуальной идеей – «трансрадугой». Эти теоретические озарения воплотились в ряде произведений, постоянно углублялись и осмысливались. Созданные тогда произведения демонстрируют всё большее расширение складывающейся теории. На выставках выставляются арт-объекты, посвященных этой теме: «Лестница в параллелошар» и серия моделей трёхмерного объекта: «Параллелошар» в пространстве «трансрадуги». С 2005 года Ковальский начинает выпускать художественный журнал: «Параллелошар», освещающий достижения художников, работающих в этом теоретическом поле. Идеи параллельных пространств захватывают многих художников нонконформистов и вдохновляют их на дальнейшее развитие концепции.

Побеждённое солнце задыхается
В Чёрном квадрате.
Год за годом, сто пыточных лет,
Висит над Россией!
Мы не живы и не мертвы,
Выдыхали чёрный воздух,
Переживая затмение
Коллективного разума
И выстраивали ступени
Трансрадуги Мира,
По которой над нами взошёл
Параллелошар
Освобождённого Солнца! [2]

Идея «параллелошара» родилась в результате осмысления параллельного существования свободного искусства в несвободном обществе. Но постепенно, развиваясь, представления о законченной, шаровой параллельности различных явлений мыслительной деятельности, привели художника к более глобальному осознанию феномена «параллелошара» как особой вневременной субстанции.
Существование другого, неофициального искусства в России, основанное на самоопределении, самоорганизации, самообеспечении и инакоделании всегда было и остается сегодня единственной формой движения искусства, не ориентированного на идеологию, на модные кураторские стратегии и коммерческие запросы. Истинное творчество, по мысли Ковальского, всегда – нонконформизм, не признанное и не понятое пассивным большинством. Эта творческая программа нуждалась в широкой теории, объединяющей творцов разных стран и разных эпох – всех нонконформистов.
Концепция параллельных творческих миров оказалась шире и глобальнее, чем частный случай выживания инакомыслящих в конкретной стране. Ковальский превращает свою идею в концепцию параллельного пространства жизни и мыслительной энергии в целом. Во все времена для свободных творческих личностей, оригинально мыслящих, ближе оказываются не рядом существующие индивидуумы, а такие же оригиналы, неважно, где и когда они жили или живут. Сближение идей и ценностей основано не на временной и пространственной близости, но благодаря совпадению сфер параллельного существования. Для нонконформистов советского времени Леонардо да Винчи, Малевич, Уорхол или Beatles были роднее, чем соседи по лестничной площадке или близкие родственники. Духовная близость определяется не временем существования, но другими чертами и механизмами, определяющими духовное взаимодействие.
С помощью своей концепции художник стремиться объяснить параллельную жизнь души и духовные контакты, межвременную и межкультурную коммуникацию. Для современного человека параллелью может выступить средневековье и французская революция. Близким по духу и параллельным по судьбе может стать китайский поэт Ли Бо или индийский мудрец Махатма Ганди. «Параллелошар» у Ковальского объединяет времена, идеи и судьбы.
Художник утверждает, что в основе его концепта неслучайно оказалось такое геометрическое тело как шар: «Именно шар, сфероидальное тело, является самой устойчивой биофизической формой во внешнем и внутреннем Космосе. На Земле подобные формы защищены Ноосферой. Сама планета Земля имеет сфероидальную форму, параллельную самой себе, множественно существующей в иных измерениях. Ноосфера — едина для всех измерений».
Общая наглядная модель «параллелошара» может быть представлена в виде трёхмерного квадрата, вписанного в шар. Этот феномен обладает как вещественной, так и духовной природой, что позволяет ему не только существовать в собственном пространственно-временном континууме, но и свободно пребывать в других системах координат, одновременно проявляться в параллельных мирах и временах. Благодаря этому свойству «параллелошар» сохраняет свою независимость и в то же время впитывает новое из этих миров и субъективного опыта. «Параллелошар» состоит из множества «параллелошаров», взаимодействующих между собой и с общим целым.
Ковальский полагает, что жизнь человека и его душа высвечиваются в различных цветах «трансрадуги». «Это 11 цветов: привычные семь цветов радуги-ауры, в которых существует тело человека: красный, оранжевый, жёлтый, зелёный, голубой, синий, фиолетовый, но добавляется еще четыре, в которых продолжает жить душа человека: белый, серебряный, чёрный и золотой. В каждый период жизни тела и души превалирует определённый цвет, соответствующий их биофизическому и душевному состоянию. Моделируя варианты положения «параллелошара», это состояние отображается в расширении определённого цвета «трансрадуги». Живопись отображает особенности эмоциональных состояний и характеристики судьбы.
По теории Ковальского, «Трансрадуга» выполняет функции медиатора между всеми частями «параллелошара». Она соединяет между собой миры, созданные авторами и наблюдателями, изменяющими наблюдаемое, объединяя индивидуальные голоса в единый ансамбль, согласуя понимание устройства Вселенной. Каждый человек, прошедший путём «параллелошара», изменяет не только собственную личность. Меняется и сам параллелошар, у него появляются новые пути развития и опорные точки».
«Параллелошар» — это нелинейная саморазвивающаяся самоорганизующаяся система, основанная на взаимодействии творческой энергии, это концентрация искренней, бескорыстной творческой энергии человека, природы и мира.
Неслучайно, сама идея «параллелошара» была осознана Ковальским в процессе создания и работы Арт-Центра «Пушкинской-10», который художник рассматривает как свою самую крупную творческую удачу. Говоря об Арт-Центре, художник сравнивает его с коллективным произведением искусства.
Проводником в пространство «параллелошара» становится музыка. Обострённость музыкального восприятия художника явилась реальной основой связи звука и изображения. Музыкальный образ определяет живописный, а живописный образ раскрывает музыкальный. Многие произведения Ковальского создаются по принципам музыкального контрапункта. Живописные формы выстраиваются подобно одновременному сочетанию нескольких мелодических линий, образуя полифонию. Художник убеждён, что «вначале был звук, человек услышал биение собственного сердца, шум крови бегущей по венам. Слово появилось уже потом. Поэтому звук остаётся основой восприятия». В начале был звук, он стал началом творческой мысли, и лишь позднее звук произносится как слово.
Ковальский находит близкие идеи у русского поэта-футуриста В.Хлебникова (1885-1922), искавшего универсальный язык, праязык, в котором звучание слова идентично его значению. Этот язык доступен интерсознанию всех людей, с его помощью человечеству передаются пророчества, высший духовный опыт, сокровенные истины бытия, опыт поколений. Именно музыка, являясь таким универсальным языком, стала главным проводником в пространство «Параллелошара». Она свободна от цензуры и ярко выражает творческую душу. В музыке рождаются образы, стремящиеся к живописному воплощению. («Композиция в цвете музыки: Птичье гнездо. Чарли Паркер». 2003.) Музыка сопровождает творческий процесс и становится основным содержанием живописи и всего визуального опыта. «Параллелошар» звучит и его звучание находит отголоски в индивидуальной судьбе. Ковальский по-новому интерпретировал идею древнегреческого философа Пифагора о звучании космических сфер, находящихся в гармоническом единстве с благородным и прекрасным. Пифагор с математической точностью обосновал соответствие красоты и гармонии. Ковальский находит геометрическое соответствие моделей «параллелошара», музыкальных интонаций и живописных форм.
Космос может быть музыкально услышан и живописно увиден, в нём скрыты универсалии и смыслы, ведущие к новому духовному опыту, выходящему за грань обыденного разума. Произведения Ковальского, посвящённые музыке, тремя способами отображают звук в цвете. Первый – традиционный – изображение музыканта, исполняющего свои произведения и его эмоции, увиденные в цвете. Так художник писал в 70-х годах. Второй цикл посвящений музыке – построение композиций под влиянием собственного настроения от услышанного музыкального произведения. В современной музыке, как известно, важная роль принадлежит исполнителю. Его манера и образ включаются в живопись по законам цветовых соответствий «трансрадуги». Например, картина «Музыка» 1999 года, посвящённая трубачу Ч. Бейкеру, арт-объект, посвящённый композитору и акционисту С. Курёхину, «Сердце музыканта», 2004 года. Третий способ – непосредственное импровизационное исполнение музыки средствами живописи. Ярким примером является триптих «Concerto Grosso» на музыку русского трио «Г.Т.Ч.» (В. Ганелин, В.Тарасов, В.Чекасин), исполнявшего свои импровизации.
Художник говорит: «Я нашёл для себя способ видения музыки, пользуясь которым я выстраиваю видеоряд из воспринятых мною звуков музыки. Это цветовые формообразующие коллажи. Я проецирую их на плоскость холста, тем самым создавая партитуру конкретного музыкального произведения в цвете и форме». К работам, созданным в такой манере, относится полиптих «Храм музыки ХХ век», состоящий из диптихов к альбомам «Свящённые гимны» Кита Джаррета, «Зеркало» С.Губайдулиной, «Всенощная» С.Рахманинова 1986-2004. [3]. Художник полагает, что возможно создать живописную энциклопедию современной музыки от Армстронга до Губайдулиной и многочисленные живописные импровизации на музыкальные темы.
Эмоции, чувства, мысли стали образовывать особый тип энергии, сформировавшийся в самостоятельную саморазвивающуюся субстанцию. Эту энергию можно назвать интеллектуальной культурой, существующей независимо от общества и передаваемой, как эстафета от одной души к другой. В разные эпохи люди осознавали наличие этой субстанции, видели и познавали её различные грани, определяли её согласно своему разумению, давали ей имена: трансцендентное, ноосфера, антропосфера. Эти имена не противоречат друг другу, а, можно сказать, раскрывают различные стороны «параллелошара», открывают выход в иррациональное, позволяют увидеть подлинную суть вещей через завесу и дымку окружающего мира, совершить прорыв в другие измерения. Видение мира и природы искусства роднит Ковальского с русскими «космистами» (К.Циолковский, В.Вернадский, Н.Рерих). Как и у художников-космистов, у Ковальского «вчувствование во Вселенную» превалирует над рациональным и, даже над формальным анализом. Интуитивный взрыв, работа воображения раскрывают путь для постижения образа. Художник стремиться помыслить параллельные нашему сознанию миры, используя, по словам Н.Рериха (1874-1947), «расширение сознания», принятое в сфере современной музыки и эзотерики. Художник предлагает не только новые междисциплинарные ходы, соединение музыки и живописи, но и делает попытку выявить органичное единство стихий. «Находки и широта художественного мышления Ковальского позволяют говорить о его творчестве в целом как о современной версии отечественного «космизма»[4].
Особый психологический склад художника, видящего цвет, известен в психологии как феномен «синестезии», когда данные органов чувств смешиваются, и в воображении появляется видимый звук или слышимый цвет. Некоторые музыканты и композиторы создавали специальные «партии цвета/света» в своих музыкальных произведениях. В 1910 году композитор А.Скрябин (1972-1915) включил в свою симфонию «Прометей» партию световых соответствий музыкальному клавиру. Живопись и музыку соединял в своих произведениях литовский композитор и художник М.Чурлёнис (1875-1911). В искусстве ХХ века постоянно делались попытки выразить музыку языком изобразительного искусства. Этим занимались русские художники В.Кандинский, М.Матюшин, немецкий художник П.Клее, бывшие также профессиональными музыкантами.
Живопись Ковальского сочетает два энергетических поля – живопись и музыку. Их сближение и, даже, объединение вызвано потребностью в приоритете духовности, свободных ассоциациях, во «внезапном прозрении». Но также вызвано потребностью привить живописи новые качества, расширить её традиционную территорию. Находясь в координатах устойчивости, живопись пульсирует, вспыхивает цветом, создаёт установку зрительского воображения на прорыв в звуковую стихию. Зритель видит/слышит не просто живописные формы или набор случайных звуков. Он воспринимает образы, возникшие по законам музыкального контрапункта. Природа абстрактной образности заключена именно в установке на слушание музыки. Названия работ точно определяют музыкальные произведения, ставшие аналогом живописи.
Художественная образность, вобравшая в себя силу и универсальность цвета и звука, стремиться стать самостоятельной энергетической сущностью, поднимающей художника на уровень космических сил.

«Одиннадцать цветов косморадуги вокруг меня и внутри. Я чувствую их вкус и запах. Они касаются меня и слышны как метамузыка прошедшего настоящего, напоминая о грядущем прошлом».

[1] «Метаэлементализм» — направление в искусстве, придуманное Ковальским, отражающее жизнь природных стихий с целью духовного прорыва в Космос через цвет, форму, ритм и звук.
[2] Приведены стихотворения Сергея Ковальского.
[3] Хлобыстин А. «Цвет музыки» Сергея Ковальского.// Сергей Ковальский. Цвет звука. Альбом. СПб.2005. с.6-7

Арт-объекты

Инсталляции

Контрколлажи

Коллажированное восприятие мира, окружающего человека снаружи и изнутри, возникает вследствие перегрузки сетчатки глаз. Увиденное в иной, параллельной, реальности подсознательно запетчатлевается на ней с больщей интенсивностью, чем то, на что она реагирует в обыкновенной для нас реальности на сознательном уровне и потому не успевает полностью стереться в памяти. Предыдущие «кадры» остаются в ней и коллажируются со следующими, отражающими текущий момент реальности, в которой существует тело человека.

Колажирование, как способ видения и мышления, даёт возможность соотнесения звука, ритма и цвета в едином действе мироотражения. Отображая символически природные первоэлементы, можно пользоваться, как традиционной техникой коллажа, иногда в сочетании с живописью и фотографией, так и методом контрколлажа.

Контрколлаж – технический приём, который освобождает детали традиционного коллажа от объёма и соответственно от находящегося в нём, чуждого нашей теме, информационного наполнения.

Использование контрколлажа необходимо для того, чтобы не изобретая новой формы, можно было воспользоваться какими-либо известными формами или их символами и при этом иметь возможность заполнять их авторским содержанием. Становится возможным выражение художественной идеи на языке метавосприятия пьезореальности, доступном пониманию каждого, кто, в то же время, оказывается в состоянии отказаться от моноопределяющей экстраполяции мышления в данности вертикаль – горизонталь. С помощью метода контрколлажа возможно развитие художественной мысли по диагональному вектору, что позволяет воспринимать и отображать многослойность метаэлементальной реальности.

Фотоколлажи