Одна из самых необычных галерей «Пушкинской-10», курируемая резидентом арт-центра Татьяной Иосифовной Барановой. За дверями 5.11 студии вы оказываетесь в действующей мастерской художницы. Помимо актуальных выставок, которые тщательно отбираются куратором, вы сможете также увидеть находящиеся в процессе работы Барановой и уже ставшие наследием творения Люциана Долинского.
Галерея «Белый коридор» — наследница выставочного пространства «Самиздат А4». Сместив фокус на живописные работы и графику, мы все так же показываем живое динамичное искусство.
Галерея «ТРАВЕРТИН», объединяющая выставочное пространство и мемориальную мастерскую Владимира ДУХОВЛИНОВА (1950 – 2022), стала продолжением коридорной экспозиции уникального проекта 2022 года — нейропечати графических работ по мотивам фресок итальянского живописца ХIV века Джотто ди Бондоне. 05 июля 2023 года галерея открылась выставкой произведений из наследия Владимира Духовлинова — пяти шедевров разных лет.
Они были выполнены различными приемами, в различных техниках и материалах: от тончайших сфумато и лессировок маслом до виртуозных композиций с абразивом, песком, графитом, ПВА, битумным лаком. С разнообразием, глубиной творческих поисков и достижений большого мастера галерея продолжает знакомить посетителей в новых экспозициях.
В программах галереи современные и ретроспективные выставки живописи, графики мастеров круга Владимира Духовлинова, объекты, художественные инсталляции на темы новейших биотехнологий, литературные встречи и презентации, перформансы, концерты современной и классической музыки.
INTROVERT Gallery-арт-пространство, в котором экспонируются работы направления нонконформизма, Ленинградского авангарда 60-90-х годов ХХ века. Основу коллекции составляют художники, чья творческая судьба тесно переплетена с Пушкинской 10, мастерской Аптеки Пеля, а также другие ленинградские/петербургские авторы, среди которых Юрий Гуров, Боб Кошелохов, Евгений Марышев, Олег Котельников, Владимир Лисунов, Марина Колдобская, Георгий (Гага) Ковенчук, Ольга Флоренская и прочие. Представлены и современные «молодые» художники- например Стас Казимова, Наташа Хабарова и т.д.
Куратор — Наталья +7 (921) 189-71-06 (WhatsApp)
Рабочий стол – новая площадка на «Пушкинской-10», которая совмещает в себе функции галереи и мастерской. Задача этого пространства – создавать условия для экспериментов с гибридными выставочными форматами и студийной практикой.
На „Пушкинской-10“ работает новая площадка „Самиздат“, объединяющая выставочное пространство, лекторий, библиотеку и цифровой архив. Историческая экспозиция рассказывает о феномене „самиздата“ и его истории с фокусом на Ленинград. Посетители познакомятся с литературным, художественным и музыкальным самиздатом, узнают о том, как производился и распространялся самиздат, чем он отличается от „тамиздата“ и как современные зины продолжают традиции самостоятельного производства печатных изданий. Это проект — результат совместной работы Музея нонконформистского искусства, архива арт-центра „Пушкинская-10“, Школы Дизайна НИУ ВШЭ и международных партнеров.
Самиздат — одно из важнейших явлений в неофициальной культуре советского периода. Используя различные средства и технологии, люди самостоятельно, в обход государственного контроля, изготавливали книги, журналы и даже музыкальные пластинки. Их содержание было очень разнообразным: от кулинарных рецептов и альбомов молодых рок-групп до классической литературы и философских текстов. При этом их объединяло одно обстоятельство — все эти материалы были неподцензурными и не издавались официально.
Выставка на площадке „Самиздат“ состоит из нескольких разделов, которые последовательно рассказывают о том, как неофициальные литераторы, художники и музыканты, несмотря на ограничения и запреты искали и находили свою аудиторию. В экспозиции представлены оригиналы и копии изданий, фотографии и документы, а также видео-интервью с деятелями самиздата, снятые специально для этого проекта.
Помимо исторической экспозиции, посетители „Самиздата“ получат доступ к библиотеке Центра Андрея Белого и цифровому архиву самиздата, смогут поработать над собственным зином в творческой зоне, а также посетить мероприятия лектория.
ЛЮДА — это художники, группировки, архивы — все что отражает нервную и нежную плоть искусства. Стратегическая идея из прошлой ЛЮДЫ (2009 – 10) сохранилась — мы показываем то, что нельзя увидеть. Расширение охвата, более международный состав — американские, белорусские, азербайджанские, норвежские художники — такие же как мы, киргизы, узбеки, французы — все кто в своих ойкуменах живет параллельной жизнью.
Ритм событий определяется часто не расписанием, а жизненной необходимостью — так было в прошлой и так будет в будущей ЛЮДЕ. Локальные тенденции глубокого залегания выплескиваются на поверхность как прорванная труба, бьют фонтаном, к недовольству жителей, комбинация лишайника искусства оплетающего все подряд проводами, тросами, бусами, сыпью, взаимно — отталкивание и взаимно — внедрение, намоливание стен — начало.
Ателье «Без зеркал» — это культурное пространство, сочетающее в себе парикмахерскую за донейшн, галерею и сцену для творческих встреч и камерных перфомансов.
Email: pistolettcentr@gmail.com
Telegram: @pistolet_baby
Ателье «Без зеркал» — место, где можно подстричься за ту сумму, которую выберите вы. Это перформативный способ оплаты/обмена на деньги, а также это способ вовлечения зрителя. Зритель — это на сегодняшний момент самое подходящее слово для посетителя ателье «Без зеркал». Мы бы хотели представить стрижку как культурное событие.
Стрижка понимается нами как форма заботы и ухода. Ателье «Без зеркал» берет на себя функцию как художественную, так и терапевтическую, удаляя по-возможности все неприятные компоненты. Процесс стрижки мы называем парикмахерским сеансом.
На базе ателье «Без зеркал» осуществляет свою деятельность «Семинар новой философской грамматики» Йожи Столет, проводит показы спектаклей постанатомический театр MAAILMANLOPPU, в скором мы открываем выставку по мотивам архива кибер-фемин-клуба.
Итак, наша идея в том, чтобы создать пространство, которое бы сочетало утилитарность и искусство, парикмахерскую и галерею, социальное и культурное, создать своеобразный клуб.
В Малом зале Музея Нонконформистского Искусства демонстрируется коллекция Музея в формате долгосрочных тематических выставок.
Термин «конформизм» (от латинского conformis – подобный, сообразный) обозначает приспособленчество, пассивное принятие существующего порядка вещей. Прибавление отрицательной приставки «non» дает смысл отказа следовать господствующему мнению, отстаивания собственного взгляда на мир – явления извечного в человеческом обществе. Изначально термин появился в XVII в. в Англии, где его применяли к протестантам. В конце 1960-х термин «нонконформизм» уже применялся иностранцами к художественному подполью в СССР. В 1980-е художники ТЭИИ стали использовать его как название своего движения.
Термин «нонконформизм» имеет, прежде всего, моральное и политическое значение. По отношению к искусству советской эпохи он применялся к независимым художникам самых разнообразных художественных взглядов, не попадавших в моноязык «социалистического реализма». Соответственно, в коллекции музея и его выставочной политике представлен самый широкий спектр художественных явлений отечественного искусства конца ХХ века. В конце восьмидесятых и в девяностые годы, с крушением тоталитарной идеологии, вроде бы должен был исчезнуть и сам термин «нонконформизм». Но парадоксальным образом борьба художников-нонконформистов за свободу самовыражения расчистила дорогу художественной коммерции, ставшей еще более серьезной опасностью для свободы искусства, чем былой советский официоз. Сейчас вновь возможно говорить о нонконформизме или «постнонконформизме» последнего десятилетия ХХ – начала ХХI века, пытающемся противостоять новой идеологии стяжательства.
Музей обладает коллекцией шедевров независимого искусства 1950–80-х годов таких групп и движений, как «стерлиговцы», «сидлинцы», «Орден нищенствующих живописцев», «Летопись», «Алипий», «Пятая четверть», «Новые художники», «Митьки» и др. Параллельно с выставочной деятельностью идет работа по собиранию произведений послеперестроечной эпохи и начала второго тысячелетия. Так, к музею примыкает Музей Мышеловки члена группы «Новые тупые» Козина. В собрание также входят работы молодых художников, многие из которых дебютировали на биеннале «Новые Имена».
Одно из самых удивительных движений независимого петербургского искусства представляют «стерлиговцы» – ученики В. Стерлигова (Г. Зубков, М. Церуш, Л. Астрейн, А. Кожин, А. Носов, В. Соловьева, С. Цвиркунова, О. Моисеева и др.) – прямые наследники традиций формальных и духовных поисков классического русского авангарда Матюшина, Малевича, Филонова. В этом же направлении развивался художественный язык художников А. Бихтера, С. Комаровой, А. Малтобарова, Н. Сычева.
«Орден нищенствующих живописцев», объединивший в 1950-е годы дружеский круг молодых художников, изгнанных из стен Академии художеств «за авангардизм» (А. Арефьев, Р. Васми, В. Шагин, Ш. Шварц, В. Громов и др.), развивал «почвенную» ленинградскую экспрессионистическую живопись. В последующем пластические новации этого направления преломлялись в живописи «Новых художников» и «Митьков» (В. Шинкарев, Д. Шагин, А. Флоренский, А. Кузнецов, Виктор и Владимир Тихомировы и др.) и продолжают находить новых последователей (Л. Голубева).
Экспрессионизм в разнообразных стилистиках развивался художниками школы Сидлина: А. Басиным, И. Ивановым, Ю. Нашивочниковым и многими другими живописцами. С конца 1950-х годов, параллельно с аналогичным явлением на Западе, в Ленинграде развивается абстрактный экспрессионизм. Многие художники этого стиля вышли из мастерской театрального художника и режиссера Н. Акимова (Е. Михнов-Войтенко, Ю. Дышленко и др.). В абстракции работали также Л. Мастеркова, Л. Болмат. Коллекция музея позволяет увидеть, какие формы принимал абстракционизм в семидесятые годы (москвич А. Жигалов), восьмидесятые (группа «Пятая четверть» – С. Ковальский, Е. Орлов, В. Андреев, А. Дмитриев, В. Шмагин, И. Орлов, В. Брылин, Ю. Гуров, А. Вермишев, В. Видерман), девяностые годы (насыщенные по цвету, намеренно фактурные до декоративности полуабстракции Н. Сажина, В. Побоженского, Ф. Волосенкова, Б. Бака).
Семидесятые – начало восьмидесятых годов – времена, когда в ответ на «завинчивание гаек» художники самых разнообразных направлений современного искусства стали объединяться и открыто вступать в борьбу за свободу самовыражения. Тогда в борьбе за свободу творчества объединялись художники самых различных направлений современного искусства. Здесь можно выделить замечательные работы таких разных живописцев, как В. Вальран, Н. Батищева, Н. Абалакова, Л. Никитина, Ю. Козлов, Ю. Галецкий, А. Гуревич, Ю. Рыбаков, А. Раппопорт, С. Сигей и др.
В восьмидесятые годы в мировом искусстве на сцену выходят такие неоэкспрессионистические явления, как граффитизм, «новая дикость», «новая фигуративность». В коллекции музея эти направления представляет группа «Новые художники» – Т. Новиков, О. Котельников, И. Сотников, Вад. Овчинников, В. Гуцевич, С. Бугаев (Африка), Е. Юфит, а также входившие в нее «Новые дикие» О. Зайка и О. Маслов. К неоэкспрессионистическому направлению можно отнести и таких своеобразных художников, как О. Макса, М. Каверзина, М. Колдобская, Б. Бадалов.
На рубеже 1980–90-х годов, благодаря усилиям Т. Новикова, в Петербурге возникает движение «неоакадемизм», создавшее свой музей на Пушкинской, 10. Представители «неоакадемизма» – О. Маслов и В. Кузнецов, Д. Егельский, Е. Остров, Г. Гурьянов, А. Медведев, С. Макаров, О. Тобрелутс и др. – также заняли достойное место в коллекции МНИ.
Коллекция музея насчитывает более 3000 единиц хранения. В ней находятся картины художников, имена которых представлены в лучших мировых и отечественных музейных собраниях, включая Государственный Русский музей, Третьяковскую галерею и Государственный Эрмитаж, а также the Norton and Nancy Dodge Collection, the Jane Voorhees Zimmerli Art Museum(Rutgers), the State University of New Jersey (USA).
©️ По статье Андрея Хлобыстина из каталога Музея нонконформистского искусства (Музей нонконформистского искусства: каталог коллекции 1998-2009 – СПб: Сборка, 2009 – 264 С.)
История Музея Битлз Коли Васина началась в 2018 году, с уходом Коли Васина.
Коля Васин – битлзфан номер один, «битлзфан всея Руси», собиратель, литератор, музыкальный проповедник, гуру рок-н-ролла в России, художник-керамист, дадаист, поэт.
Знакомство Коли с рок-н-роллом началось в 1957 году с легендарной «Tutti Frutti» Литл Ричарда: Коле было 12 лет. Следующей ступенью этой ракеты в 1964 году оказалась «Love Me Do» группы Битлз. Все последующие годы ракета летела и летела, пока в 1990 году не вышла на вселенскую орбиту – родилась идея Храма Любви, Мира и Музыки именем Джона Леннона.
Офис Храма «910» на «Пушкинской-10» – это место обитания Музыки, собрание раритетов, артефактов, рукотворных книг и Свободная Территория России, на которой шла работа над созданием Храма. Теперь это место, в котором Коля жил, работал, привечал друзей-музыкантов и битломанов, стало Музеем Битлз Коли Васина.
Музей открыт для всех. Это место встреч и бесед: здесь проходят лекции на безграничные темы о Битлз, Храме и Коле, появляются выставки современных художников, проводятся экскурсии и царит дух единения и любви к Музыке.
С Лиговского поворачиваете во двор, спускаетесь по ступенькам и ныряете под арку – добро пожаловать на борт Желтой Подводной Лодки! В прошлом веке ей пришлось залечь на дно с ценным грузом – пластинками, рентгеновскими снимками, самиздатом, любительскими переводами и артефактами с Запада… Экипаж, состоящий из «своих», старался ловить сигналы с других частей света, и, кто знает, может быть водные пиратские радиостанции Великобритании тайно появлялись на радарах субмарины. Местным Кусто был Коля Васин, который первым поймал битловскую волну, подключился к ней, стал погружаться в глубины. И потянул за собой остальных, показывая, что там, на глубине, вода прозрачнее, рыбы разнообразней и все по-другому.
Так начала складываться его коллекция, связанная с именами четырех ливерпульских музыкантов. И тут, как в волшебной сказке, субмарина превращается в Храм Любви, Мира и Музыки: все предметы пестрят, светятся, мерцают. Это одновременно похоже и на большие окна-витражи английских соборов, через которые преломляется свет, и на калейдоскоп, и на краски мультфильма “Yellow Submarine”. Глаз не может остановиться на чем-то одном – или на ком-то одном: Джон, Пол, Джордж, Ринго, снова Джон, Пол, Джордж, Ринго – и так по кругу. Местная мантра.
Здесь все встречается со всем: 1963 и 1970, Abbey Road и Индия, “She loves you” и “Imagine”. История собрана в одном пространстве. Не важно, фанат вы Битлз или нет, это пространство дает почувствовать причастность к истории легендарной группы, и мир, в который вы попадаете, становится и вашим тоже.
Что такое храм, братья и сестры? Храм – это огромная рукотворная несимметричная пирамида-скала высотой девяносто метров с неправильным квадратом в плане. Тело храма есть скала с несколькими разновысокими вершинами, над каждой из которых развевается прозрачный, цвета неба, флаг.
Суть храма — праздник Жизни и Музыки, основой которого будет Календарь Храмовых праздников, созданный Храмовым Комитетом. Звучащая беспрерывно Музыка в Отличном качестве и поданная с игрой воображения станет источником по спасению коллективной Души Человечества. Храм в Целом представляет собой Шоу-Музыкальный комплекс, открытый и для активной деятельности, и для простого общения во всегда праздничной атмосфере. Здесь могут — и должны! — происходить одновременно несколько крупных событий: концерт Музыки Битлз, фестиваль традиционной индийской музыки, конгресс по вопросам масс-медиа и шоу-марафон молодых исполнителей.
«Храм Любви – это концентрация всего лучшего, что есть в Музыке и людях нашего времени: от блюза до «новой волны», от Элвиса Пресли до «U2». Там не будет ничего вычурного, неестественного и сценарно надуманного – только Свобода и Праздник. Все это началось несколько лет назад. Сам Храм, его зрительный образ вылетел из души как-то легко и приятно – он мне приснился. В конце 90-го года, ранним утром я проснулся и, даже не умываясь, схватил кисть и сразу нарисовал Храм… А теперь попробуйте себе представить – Храм на открытом месте, на островке среди воды. Вместимостью на 1000 человек.
Это скалообразное сооружение девяноста метров высотой, и вам не нужны ни схемы, ни чертежи. Храм будет зрительно «изменяться», принимая в лучах солнца и в зависимости от погоды разные причудливые формы. Это здание с оранжевым шаром наверху – 7 метров в диаметре – с надписью All You Need Is Love и голубым шаром – 5 метров в диаметре – «Дай миру шанс». Внутри, в порах Храма, в помещениях разной формы и размеров, находятся архивные хранилища рок истории, символика.
И еще – всегда теплый, светящийся пол… А на вершине Храма – огромный бесцветный флаг, всегда принимающий цвет неба. Этот Храм станет символом Петербурга, как Статуя Свободы в Нью-Йорке, он – как подсвечник, как последний аккорд на пластинке «Сержант Пеппер».
Коля Васин
В галерее проходят выставки, концерты, мастер-классы, поэтические вечера, кинопоказы, лекции и презентации. Выставочная и образовательная деятельность галереи направлена на самую широкую, но внимательную аудиторию. Галерея представляет в своей сменной экспозиции работы как хорошо известных, давно и уверенно состоявшихся художников, так и молодых, начинающих авторов.
Арт-Лига начала свою работу в арт-центре «Пушкинская-10» весной 2008 года. Галерея стремится охватывать в своей выставочной деятельности динамичный художественный процесс и наиболее широко представить различные грани современного искусства в его живом многообразии, поэтому принципиально отвергает жесткие стилистические и концептуальные рамки.
Галерея инициирует и поддерживает международные выставки и обменные культурные проекты. В коллекцию галереи входят произведения российских и зарубежных художников второй половины XX — начала XXI веков. Начиная с 2017 года галерея Арт-Лига выпускает онлайн-каталоги состоявшихся выставок. Посмотреть все каталоги можно на сайте галереи.
Помимо выставок, в галерее проходят концерты, мастер-классы, поэтические вечера, кинопоказы, лекции и презентации. Выставочная и образовательная деятельность галереи направлена на самую широкую, но внимательную аудиторию.
Как подразделение арт-центра «Пушкинская-10», галерея Арт-Лига ежегодно принимает участие в акции «Ночь Музеев», посвященной Международному дню музеев. В галерее Арт-Лига проходил IX и XI фестиваль малой формы «МиниАрт». В 2017 году на площадке Арт-Лиги состоялся фестиваль «Новые имена», который призван открывать петербургской публике молодых художников. Впервые к работе над проектом «Новые имена» был привлечен начинающий куратор из Института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина.
Арт-Лига ежегодно принимает студентов из ведущих ВУЗов Санкт-Петербурга на прохождение стажировок и производственной практики.
За время работы в экспозициях галереи можно было увидеть работы Валентина Герасименко, Марины Колдобской, Владимира Шинкарева, Виктора Вильнера, Давида Плаксина, Люциана Долинского, Завена Аршакуни, Владимира Овчинникова, Вячеслава Афоничева, Елены Фигуриной, Елены Киселевой, Владимира Монахова, Алисы Юфы и других авторов.
В галерее проходили выставки-презентации проектов художников из Кронштадской арт-резиденции ГЦСИ. В 2017 году в галерее можно было посетить высокотехнологичную инсталляцию Мастерской Интерактивного Искусства «Архитектурное безвременье» и погулять по фортам Кронштадта в виртуальной реальности.
Контакты:
Сайт галереи: www.art-league.ru
Email: Artleague.p10@gmail.com
Динамичное творческое пространство «Мастерская Полковника» начало свою деятельность в мае 2017 года на базе мастерской художника Юрия Никифорова, известного в творческих кругах как Полковник, резидента арт-центра и одного из тех, кто стоял у истоков «Пушкинской-10».
В рамках проекта пространство Мастерской используется как площадка для проведения различных культурных и творческих мероприятий — выставок, мастер-классов по современному искусству, прикладных занятий, перформансов, лекций, творческих встреч и многого другого.
Проведение мероприятий непосредственно в стенах мастерской, где жил и творил художник такого масштаба, придаст им особую, наполненную творческой энергией, атмосферу. В процессе проведения мероприятий посетители и участники проекта смогут познакомиться с творчеством Полковника.
Цель нового проекта – привлечь в арт-центр современную активную молодежь, живо интересующуюся веяниями актуальной культуры, предоставить возможность желающим не только наблюдать рождение искусства, но и самим стать его частью.
Мы открыты для сотрудничества, ищем творческие умы, людей с идеями, умениями, желающих поделиться опытом и научить других чему-то новому, интересному.
Любая выставка задумывается и осуществляется в Navicula Artis как полноценный концептуальный проект, в котором каждый раз по-новому осмысляется и пространство, и содержательная интрига. Здесь художники включаются в живое актуальное поле искусствоведческой интерпретации, дающей импульс к сотворчеству.
Email: navicula@mail.ru
Галерея Navicula Artis появилась на карте Петербурга в 1992 году. Недавние выпускники кафедры истории искусства ЛГУ получили возможность устраивать выставки в просторном белом зале Дворца Труда (Николаевского), а куратор галереи Иван Чечот — великолепное пространство для реализации своих замыслов.
Тогда, в 1992-1994 годах и определился стиль работы галереи, который существенно отличал ее от всех других галерей и выставочных пространств города. Любая выставка задумывалась и осуществлялась как полноценный концептуальный проект, в котором каждый раз по-новому осмыслялось и пространство, и содержательная интрига, настолько, что каждый вернисаж представлялся подлинным событием, разыгранным как театральное действо.
Для начала-середины девяностых ситуация, когда искусствовед, куратор становился художником, была неслыханной. Однако именно это обстоятельство привлекало художников Петербурга и Москвы к работе с галереей, поскольку здесь они включались в живое актуальное поле искусствоведческой интерпретации, дававшей импульс к сотворчеству.
Помимо выставок, происходивших в пространстве Дворца Труда, где галерея помещалась до 1998 года, были и выездные акции — пожалуй, самое оригинальное явление в смысле новизны «жанра», культивируемое всеми нами.
Истоки «поездок» или «прогулок», любимых затей галереи, оригинальны и не связаны ни с жанром московских концептуальных «поездок за город», ни с жанром «инспекций». Их исток — в излюбленном для ленинградских искусствоведов фланировании, хождении по городу и окрестностям, в которое включается и любознательное знакомство с местными достопримечательностями, и игра в робинзонаду и просто приятное времяпрепровождение с выпиванием и болтовней. Если же обратиться к литературному опыту — то это петербургская классика, не требующая даже особых комментариев.
В 1998 году Navicula Artis обосновалась на «Пушкинской-10», что фактически стало ее новым рождением, поскольку возможности некоммерческой организации выставок во Дворце Труда к тому времени уже не было. За время существования галереи было организовано более ста выставок, двух десятков коллективных акций — прогулок и поездок, а также литературные чтения и просто мероприятия.
Галерея много работает с молодыми художниками, открывая их петербургской публике. Так в 1999 году состоялось открытие выставки Олега Хвостова, ставшего одним из любимых художников галереи, прошла первая заметная выставка Игоря Брякилева «Из сада в сад» (куратор Александр Степанов), а в 2002 году — выставка Олега Шагапова «No smoking!» (кураторы Глеб Ершов, Андрей Клюканов). Значительными по экспозиционному размаху и новизне концепции стали выставки Петра Швецова «Аэропланы», специально для которой на потолке галереи была написана гигантская фреска, и Петра Белого «Сны вахтерши», преобразившая пространство выставочного зала в одну тотальную инсталляцию (первый масштабный опыт его работы в этом жанре). Кроме того, галерея постоянно привлекает к участию художников, выступающих на кураторском поприще.
Несколько проектов, ставших громкими событиями в современной художественной жизни Петербурга, были осуществлены Юрием Александровым: «Читальный зал. Без Гутенберга» — однодневная выставка-акция, где были собраны рукописные раритеты, образцы народного книжного творчества, подпадающие под определение «книга художника»; «Кунстлагерь. Ручные вещи» — выставка-провокация по отношению к современной парадигме искусства-объекта (Ершов, Клюканов) и выставка-мистерия «Последний ужин» с ритуальным поеданием макарон и демонстрацией книг-уникатов самого Александрова.
В рамках ежегодного фотомарафона серию концептуальных выставок курировал Дмитрий Пиликин. В частности, он выступил куратором нескольких выставок Дмитрия Шубина, а также современных петрозаводских художников и совместной русскофинской выставки фотографии «Memento mori».
Санкт-Петербургский Музей Звука является органическим продолжением работавшей с 1999 года Галереи Экспериментального Звука — культурной институции, занимавшейся созданием, изучением и пропагандой современной экспериментальной музыки, лабораторной работой со звуком, с авторскими музыкальными инструментами и техниками звукоизвлечения.
По вопросам заказа экскурсий и рекламы:
pr@gez21.ru;
+79602570241
За 16 лет работы Галереи Экспериментального звука ГЭЗ-21 собралась изрядная звуковая и инструментальная коллекция, сформировалось пространство рефлексии, объем накопленного и осмысленного опыта выходит далеко за рамки, характерные для регулярной концертной площадки.
Основа экспозиции Музея Звука — авторские инструменты, созданные музыкантами специально для исполнения своих произведений: это и «первый русский синтезатор» утюгон, и саксофон из водопроводных труб, и потир. Выставка интерактивная, так что все инструменты можно трогать руками и извлекать из них звуки.
А с помощью интерактивной звуковой карты Петербурга можно услышать и карильон Петропавловской крепости, и взлетающих голубей у Медного всадника, и даже звуки трамвайного парка.
Особая часть коллекции музея — единственное в России собрание графических партитур современных композиторов, некоторые листы которого также используется в выступлениях Санкт-Петербургского оркестра импровизации.
Музей звука — это не только экспозиция, но и концерты, лекции, выставки, мастер-классы, творческие встречи. Помимо прочего каждую среду в 19:30 на площадке музея проходит философское кафе — открытый дискуссионный клуб для всех заинтересованных.
Некоммерческая объект-галерея «Дверь» появилась в арт-центре «Пушкинская-10» летом 2006 года. «Сначала я сделала из двери выставочное пространство в офисе конкурса дизайнеров «Модная столица» в 2003г. на 300-летие Петербурга», — рассказывает автор Евгения Коновалова.
Позже возникло желание использовать «Дверь» , как оригинальную форму презентации, постоянно. 19-го февраля 2006г. железная дверь от мастерской из расселенного дома была перевезена на «Пушкинскую-10» и вмонтирована в глухую стену. Первая выставка открылась 24 июня 2006г. на Празднике Дома. К «Паразиту» Владимира Козина, не первый год занимающему коридор «Борея», и «Окну» Константина Митинева на Садовой, прибавилось еще одно миниатюрное выставочное пространство. «Дверь» – сама по себе объект. Внешне она мало отличается от обычного входа в квартиру. Раз в месяц здесь появляется новая выставка. Иногда в открытом дверном проеме вывешиваются изображения и объекты. Иногда дверь заперта, и экспозицию можно увидеть через глазок. Проект Евгении Коноваловой не только превращает жилые и служебные помещения в выставочное пространство, как это делают «Паразит» и «Окно» или открывшиеся недавно в «Борее» и на «Пушкинской-10» галереи «10х15» и «Стена». «Дверь» – попытка работать в рамках объектного искусства.
Дверь как художественный «частичный объект».
Психоанализ стал первым и остался единственным учением, которое пользуется понятием «частичного телесного объекта». Отверстия, края, кромки, складки тела — благодаря вниманию к этим загадочным органическим частичностям, психоанализ опередил все прочие психологические и соматические концепты, которые без представления о «целостном теле» и шагу боялись ступить.
Мы призываем рассматривать дверь как «частичный объект» — это поможет сразу отказаться от обременительной дихотомии между «средством» и «целью», которая грозит навязать нам свои услуги, испортив все дело. Телесный частичный объект не знает этого формального различия: начав с представления себя служебным входом (например, слышащие и видящие отверстия), он разрастается в своем символическом значении, приобретая тем больше смыслов, чем больше через себя пропускает.
Дверь — воплощение доступа как такового; это частичный объект в отношении любого пространства. Дверная коробка сама по себе — самостоятельный орган, насыщенный либидозными значениями; мы часто ловим себя на том, что рассматриваем на встречающихся нам дверях косяки, интересуемся устройством замка.
Не следует думать, будто внимание к дверям продиктовано соображениями вульгарной безопасности — «вход» в своих потенциях гораздо больше занимает самого воображающего, чем тех, кого он в своем воображении опасается. Все предвосхищения злонамеренности происходят из-за избытка фантазии у того, кто уже знает цену. Также и Дверь мыслится в качестве символа, так называемого архетипа, как того, что работает на повторности, неизменном облике своего образа. Эта повторность могла бы убедить в необходимости выказывать уважение знаку, который неустанно фигурирует в столь многих заявках. Означающее «двери» эксплуатируется всеми, кто только пожелает: оно, в отличие от реальной двери, легко «встраивается» в различные рамки интерпретаций, подходя к любому концептуальному фасаду. Притом следует помнить, что символическое всегда подразумевает отсылку к иному, более важному — символ нанят в качестве представителя истины, сам он по себе ценен лишь в силу своей миссии. Но в данном случае необходимо этого ограничения избежать — без предоставления Двери самостоятельности сказать о ней ничего не удастся.
Мы будем обречены на рассуждения о «доступе», «входе», «проникании сквозь». Но нам не удастся различить в самой Двери то, что фиксирует на ней наше влечение — заставляет любоваться ей, касаться, различать на ней мельчайшие детали. Дверь тверда, покрашена, обладает свойством двигаться на петлях. Мы предполагаем, что находящееся за дверью реализует свое самостоятельное существование, не касающееся дверей как обслуживающих акт приоткрытия.
Но как можно было бы об этом существовании говорить, если бы не было момента созерцания той панорамы, которая открывается в первый момент за дверью и в ее рамке? Не является ли сама функция видения связанной с тем путем, которым возможность видения следует — через подъезды, лестницы, коридоры? Разве то, что на каждом повороте нам открывается не связано с рамой? — не просто как с функцией ограничения поля зрения, но как с сообщником, без которого мы не смогли бы разглядеть, насколько шокирующе неотменим открывшийся вид. Так, например, эта Дверь зряча, она снабжена «глазком». Не значит ли это, что здесь инвертирована функция видения — то, что смотрит из, ждет нашего взгляда в свою сторону? Нет соблазна большего, чем дернуть эту дверь и встать в проеме, глядя на то, что за ней представлено.
Но следует быть осторожным. Двери — они иногда закрываются.
В Первом национальном музее рок-музыки представлена собранная руками Владимира Рекшана коллекция артефактов, связанных со становлением и развитием уникального явления мировой культуры — советского и русского рока…
Ленинград-Петербург – признанная столица нашей рок-музыки. Здесь еще в конце 60-х годов прошлого столетия множество талантливых людей взялись за электрогитары. А в созданный в начале 80-х знаменитый Ленинградский рок-клуб, поехали таланты со всей страны.
В 1991 году в Ленэкспо прошла грандиозная выставка «Реалии Русского Рока», собравшая огромное количество экспонатов, от которых, на данный момент, почти ничего не осталось.
В чем-то подобное исчезновение – процесс естественный. Проходят эпохи, исчезают империи, забываются тираны. Остаются книги и музеи. Необходим и музей, посвященный русской рок-музыке.
«Мост через Стикс» — авторская галерея Вадима Воинова, учрежденная в 1994 году как часть Музея нонконформистского искусства при поддержке отдела новейших течений Государственного Русского музея. В экспозиции представлены уникальные функциоколлажи Вадима Воинова, посвященные осмыслению новейшей истории России.
Используя свой метод компоновки старых вещей в отдельные композиции — функцио-коллажи, художник создает панораму истории России начала XIX — середины ХХ вв.
«Организация единственной в городе авторской галереи «Мост через Стикс» проходила одновременно с формированием санкт-петербургского Музея нонконформистского искусства в течение всего 1994 года. Галерея является частью музея, одним из его отделов.
Примененный в названии музея термин «нонконформизм» – говоря проще, отрицание, противостояние – конкретизируется тематикой работ, выставленных в галерее. Они посвящены истории России советского периода, прежде всего, той части ее культуры, которая явилась пропагандистской основой изобразительного искусства. Старые подлинные предметы, из которых составлены отдельные работы, не адаптируются – это еще один аспект, делающий их музейными экспонатами. Важным обстоятельством, оправдывающим существование галереи, является участие в ее учреждении отдела новейших течений Государственного Русского музея.
Первый тематико-экспозиционный план, а затем и экспозицию сделал заведующий отделом Александр Боровский. Все последующие экспозиции курировала сотрудница отдела, доктор искусстоведения Ирина Карасик и директор Музея нонконформизма Евгений Орлов. Принцип «кардиограммной» развески, предложенной Боровским, прошел через все семь выставок.
Первая экспозиция была развернута на последнем этаже лицевого корпуса, улица Пушкинская, дом 10. В ней было задействовано семь помещений, в которых располагалось порядка семидесяти работ. В 1998 году Товарищество художников переместилось в другие помещения того же дома, где таких пространств под галерею не было по определению. Я подумал, что ее закроют. Тем не менее для галереи отвели небольшое помещение из двух комнат. Пришлось перестроить принцип экспозиции. Теперь ее неизбежная компактность потребовала более значительных экспозиционных усилий для выражения чрезвычайно сложной темы – истории целой эпохи, а также пластически выразительной «кардиограммной» развески.
Мне кажется, что сделать это удалось. Постоянными экспозиционными акцентами обоих помещений стали в первом случае – колонна из папье-маше, на которой крепится работа (перефразировка античной традиции), во втором случае – высокое напольное зеркало-трюмо, на полку которого ставится специально сделанная работа. При смене экспозиций работы меняются на тематически и пластически подогнанные под них аналогичные объекты».
Вадим Воинов о галерее «Мост через Стикс»
Что главное в моряке?
Чтобы с ним никто не утонул!
В. Воинов. Словарь новой мифологии
Эпизоды из жизни нередко переплетаются с фантомами-случаями, организующими вторую мистическую ось Судьбы. Свою дорогу я осознаю именно через эти вехи. Цепь внешне нелогичных и всегда некарьерных поступков – ответная реакция на полное доверие к своей интуиции. Провидение обобщило их в то, что я сейчас есть.
Родился в 1940 в Ленинграде (Санкт-Петербурге). Отец, Серафим Воинов, историк, в 1949 был репрессирован по Ленинградскому делу. Sapienti sat. Об этом все и всегда помню. Заочную среднюю школу закончил в 1959, после чего ходил матросом в Америку и Африку на судах океанического рыболовного флота. В 1969 поступил, а в 1976 закончил заочное отделение исторического факультета Ленинградского университета по специальности «история». Факультативные занятия на кафедре истории искусства , где я защитил диплом по опубликованным работам, привели меня в 1972 к должности старшего научного сотрудника в Государственном музее истории Ленинграда. Я проработал там 24 года. Читал лекции, писал статьи, ходил в археологические экспедиции. Главная специфика моей музейной работы – обследование домов, идущих на капитальный ремонт, — столкнула со старыми вещами, оставленными людьми в брошенных жилищах. Постоянный контакт с ними в ситуации in sito привел к философско-пластическому осмыслению материала. Тематические комбинации предметов названы мною функциоколлажами.
Начал работать над ними в 1979, а с 1983 – экспонироваться. Широкая выставочная практика привлекла внимание специалистов – знаковый язык подлинных, утративших материальную ценность вещей стал понятен искусствоведам, историкам, музейщикам. Отношение к старому материалу, из которого я делаю коллажи, как к одушевленной исторической субстанции – это самое важное в методе работы с ним. Очевидное для меня «сопротивление материала» преодолевается только одним действием – «переживанием материала». Глубина и лиричность этого переживания прямо пропорциональны силе и состоятельности каждого отдельного функциоколлажа, каждого образа.
С 1994 г. товарищество художников «Свободная культура», единственная организация, где я состою, предоставила мне возможность учредить персональную авторскую галерею «Мост через Стикс». Санкт-Петербург, ул. Пушкинская, 10 (вход с Лиговского пр., д. 53). Галерея является отделом Музея нонконформистского искусства. За 14 лет сотрудники Государственного Русского музея сделали из моих работ шесть постоянных экспозиций.
В. Воинов, «Фабула предмета», ДЕАН, 2008 г.
Большой зал Музея нонконформистского искусства является главной площадкой для временных выставок, которые организует Музей нонконформистского искусства: это персональные проекты современных российских и зарубежных авторов со всего мира и групповые выставки.
Телефон: +7 921 550 17 06
«Нонконформизм» — явление в неофициальной культуре советского периода, ярко проявившееся в изобразительном искусстве, музыке (ленинградский рок) и литературе (самиздат). Ко «второй культуре» принадлежат такие известные деятели как Михаил Шемякин, Виктор Цой, Сергей Курехин, Тимур Новиков, Сергей «Африка» Бугаев , группа «Митьки», Борис Гребенщиков, Иосиф Бродский и многие другие.
Основанный в 1998 г. Музей нонконформистского искусства первым заявил о необходимости сохранения и исследования наследия неофициальной культуры СССР, сделав это своей миссией.
Его коллекция насчитывает более 3 000 произведений. Музей сотрудничает с рядом музеев и ведущих галерей России (включая Государственный Эрмитаж и Русский музей), Европы и США, а также с профильными вузами. Музей нонконформистского искусства ежегодно проводит более семидесяти выставок и мероприятий, является членом сети ICOM.
В Большом зале регулярно проходят мероприятия образовательного отдела и другие специальные события – перформансы, концерты, презентации.
Здесь посетители могут также увидеть часть постоянной экспозиции МНИ – удивительный «Музей-Мышеловка современного искусства», созданный Владимиром Козиным в 2002 г. В Большом зале находится книжный прилавок музея, где можно приобрести художественные каталоги, авторские издания, научную литературу и сувенирную продукцию.